Las 50 mejores películas de 2013

Es diciembre y, como es tradicional, hemos pedido a los escritores de Apergo que voten por sus películas favoritas del año. Desde entonces, los resultados reunidos se han convertido en esto, una lista de lo mejor que 2013 tuvo para ofrecer. Todas las películas estrenadas del 1 de enero al 31 de diciembre en el Reino Unido fueron elegibles, y hemos incluido (pero no clasificadas) tres películas que varios de nosotros han visto, pero no lo suficiente como para votar de manera justa. Así que sigue leyendo y al final, comprueba cuántos has visto tú mismo...

50. LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY

Director: Ben Stiller

Emitir: Ben Stiller, Kristen Wiig, Sean Penn, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn

Mejor para: creyentes que sueñan despiertos y, diablos, también reinas del baile de bienvenida.

Han pasado cinco años desde que Ben Stiller dirigió Tropic Thunder, y la película que lo atrajo de nuevo a la silla del director es una dulce historia de un hombre afable que sueña con ser mucho, mucho más. Tranquilamente fascinado por su colega Cheryl (Kristen Wiig, a quien le espera un buen diciembre entre esto y Anchorman), finalmente tiene la oportunidad de vivir algunos de esos sueños cuando parte en busca de un negativo perdido de un fotógrafo estrella. Espere sueños gloriosos y quizás, al final, también una realidad gloriosa.

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49. PRESENTADOR 2: LA LEYENDA CONTINÚA

Director: Adán McKay

Emitir: Will Ferrell, Steve Carell, Paul Rudd, Christina Applegate, David Koechner, Harrison Ford, James Marsden, Meagan Good

Mejor para: el equipo de noticias de Channel 4. Sí, estamos hablando contigo, Jon Snow.

Si le pidieran que nombrara algunos personajes de películas que se adaptarían bien al cambio, las posibilidades de que nombrara a alguien en el equipo de noticias de Channel 4 son realmente pequeñas. Y, sin embargo, eso es exactamente con lo que Ron Burgundy de Will Ferrell y su equipo tienen que luchar a medida que la llegada de las noticias por cable y el ciclo de noticias de 24 horas cambia fundamentalmente su negocio. Las primeras palabras sugieren que la tasa de mordazas es tan implacable como la primera película, por lo que no podemos esperar a ver lo que Brick declara amor por esta vez, o la última técnica de recogida de Brian Fantana.

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Lea el desglose del primer tráiler

Lea el desglose del segundo tráiler de Adam McKay

48. EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

Director: pedro jackson

Emitir: Martin Freeman, Richard Armitage, Orlando Bloom, Benedict Cumberbatch, Evangeline Lily, Luke Evans

Mejor para: hobbits

La segunda parte de la extensa adaptación de Peter Jackson nos promete un tipo que se convierte en un oso, un grupo de elfos que luchan contra arañas gigantes en el bosque, un pueblo en un lago y, lo más importante, un dragón debajo de una montaña. Solo para Smaug, estaríamos haciendo fila para verlo, pero de hecho, lo que hemos visto hasta ahora nos promete mucho más en cuanto a intriga y aventura. Gandalf estará luchando contra el Nigromante mientras los enanos y su hobbit 'ladrón' se abren camino a través de Mirkwood hasta ese fatídico enfrentamiento con su gran némesis escamosa. Francamente, no podemos esperar.

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Lea nuestro desglose del tráiler de la película.

47. AHORA ME VES

Director: luis leterrier

Emitir: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Mark Ruffalo, Dave Franco, Isla Fisher, Morgan Freeman, Michael Caine

Mejor para: cabos y ladrones.

Las películas sobre magia a menudo tropiezan con el hecho de que el cine en sí mismo es magia y puede anular el impacto de sus trucos. Pero las ilusiones espectaculares aquí y la adición inteligente de algunos agentes del FBI e Interpol desafortunados e indefensos para tratar de comprender los trucos hacen que sea una travesura alegre. Los policías laboriosos no se pueden comparar con la prestidigitación de los magos, al menos al principio, y Eisenberg, Fisher, Harrelson y Franco se divierten con su juego de manos, particularmente en una escena de persecución inspirada que utiliza completamente a los policías y ladrones mágicos. presunción. En un verano temprano que estuvo lleno de héroes torturados y visiones apocalípticas, este jugueteo más espumoso fue un éxito merecido.

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Escuche a Jesse Eisenberg e Isla Fisher hacer trucos de magia en el Podcast de Apergo

46. ​​PRISIONEROS

Director: denis villeneuve

Emitir: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Terrence Howard, Maria Bello, Viola Davis, Melissa Leo

Mejor para: haciéndonos preguntarnos cómo nos las arreglaríamos.

Tanto una prueba de resistencia como una experiencia visual, el seguimiento de Villeneuve a los ardientes Incendies lanza al espectador al infierno de los padres: ¿y si secuestraran a su hijo? – y luego aprieta los tornillos: ¿y si identificaras al responsable? ¿Dónde pararías? El dilema moral es convincente, pero lo llevan las actuaciones comprometidas del padre cada vez más desesperado de Jackman, el policía profesionalmente furioso de Jake Gyllenhaal y el sospechoso demasiado golpeable de Paul Dano. El tono es tan invernal como el clima perpetuamente nevado de su entorno, pero este permanecerá en el fondo de tu mente mucho después de la primavera.

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Mira a Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal y Denis Villeneuve hablar sobre la película

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45 EL CONJURO

Director: james wan

Emitir: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingstone, Lili Taylor, Hayley McFarland, Joey King

Mejor para: cosas que surgieron en la noche y, a menudo, también durante el día.

Un gran éxito de taquilla, El conjuro surgió de la nada para asustar a los cinéfilos de todo el mundo con 316 millones de dólares. Hizo rodar los asesinatos de Amityville de la vida real, por el amor de Dios, nunca te mudes a un lugar que tenga 'Amity' en el nombre, en un festival de miedo que sopló un aliento helado en nuestros cuellos y dijo '¡BOO!' todo al mismo tiempo. Los ricos detalles de la época, el preludio de la muñeca espeluznante y Lili Taylor volviéndose Linda Blair fueron aspectos destacados, pero James 'Saw' Wan ofreció un sentido macabro de Edgar Allen Poe y la historia traqueteó a toda velocidad. Como era de esperar, hay una secuela por venir. El insólito The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist (¿y ahora qué? ¿The Tottenham Hale Terrors?) también es basado en una historia real y estará con nosotros en el próximo año o dos.

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Vídeo: Apergo conoce al elenco de The Conjuring

44 MATA A TUS QUERIDOS

Director: Juan Crocid

Emitir: Daniel Radcliffe, Dane DeHaan, Jack Huston, Ben Foster, Michael C. Hall

Mejor para: mostrando a los poetas Beat antes de que pusieran en marcha el Beat.

El acto de violencia que impulsa este drama sobre los primeros años de vida de algunos de los escritores más influyentes del siglo XX, Kerouac, Burroughs y Ginsberg, se revela en los momentos iniciales, pero la película guarda sus verdaderas sorpresas en secreto. Es solo gradualmente que se vuelve claro que este es un lote más desordenado y más complicado que el tipo de historia habitual de 'Convertirse en Allen Ginsberg' sobre la mayoría de edad, incluso antes de entrar en cuestiones de asesinato. El director novato Krokidas muestra aquí un don para la sutileza y los matices que lo marcan como alguien a seguir, y Daniel Radcliffe demuestra una vez más que es más que simplemente El niño que vivió.

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43 MUCHO RUDO POR NADA

Director: Joss Whedon

Emitir: Amy Acker, Alexis Denisof, Clark Gregg

Mejor para: diciendo hola nonny nonny a Los Vengadores.

Justo después de filmar Los Vengadores, Joss Whedon se tomó dos semanas fuera de la suite de edición e hizo esta versión monocromática de la comedia de amor manipulado de Shakespeare. Con un equipo de amigos y asiduos y una sesión de fotos en su jardín trasero, produjo una versión alegre y tranquila de la obra sin la timidez que puede afectar a algunas adaptaciones. Para aquellos que tienen la impresión de que Shakespeare es solo para snoots y camisas de peluche, esto lleva al Bardo a la audiencia de pozo que siempre mantuvo comprometida.

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Escuche el podcast especial de Apergo con Joss Whedon, Amy Acker y Alexis Denisof

42. ROBOT Y FRANK

Director: jake schreier

Emitir: Frank Langella, Susan Sarandon, Peter Sarsgaard, James Marsden, Mejor para: reavivar mojos perdidos con la ayuda de un robot.

Ha sido un buen año para las estrellas mayores, con grandes papeles para Bruce Dern y Judi Dench. Es probable que se pase por alto, erróneamente, esta actuación de Frank Langella, como un ladrón de gatos jubilado que un cuidador robot vuelve a la vida y demuestra estar dispuesto a participar en algunos hurtos menores para mantener activo a su anciano a cargo. La película es demasiado rápida, divertida y teñida de ciencia ficción para obtener los elogios de los premios que de otro modo merecería, pero Langella rara vez ha sido mejor y el conjunto es una mirada bellamente juzgada sobre el envejecimiento y los últimos hurras.

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Robots de películas útiles que arruinarán tu vida.

41. GUERRA MUNDIAL Z

Director: marc forster

Emitir: Brad Pitt, Mireille Enos, Daniella Kertész, Peter Capaldi

Mejor para: hacer limonada Brad Pitt con limones de brotes problemáticos.

La palabra anticipada era venenosa. Los tráileres prácticamente no revelaron ninguna conexión con el material de origen (algo que la película confirmó). Y luego... resultó ser una película de aventuras increíble, con Brad Pitt viajando por todo el mundo, manteniéndose justo por delante de la horda de zombis que se aproximaba, para encontrar una manera de salvar a la humanidad de este último apocalipsis. Grandes efectos y una sensación constante de tensión y sorpresa sirvieron para mantener los nudillos mordidos y los traseros apenas en los asientos durante un tiempo de ejecución relativamente corto (proporcionado a la escala de la historia, al menos). Si bien nos gustaría ver más del libro en la secuela, este definitivamente se anota como un éxito sacado de las fauces de los zombis del desastre de la taquilla.

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40. NEBRASKA

Director: alexander payne

Emitir: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Bob Odenkirk, Stacy Keach

Mejor para: viajes por carretera para el viajero más maduro.

La continuación de Alexander Payne de The Descendants lo devuelve a la América central de About Schmidt y Election, pero a menudo esto se parece más a la versión de Los viajes de Sullivan de O Brother, Where Art Thou?. Hay momentos de comedia brillante, sin duda, pero también hay una sensibilidad de la era de la Depresión que solo se enfatiza con la cinematografía en blanco y negro. Mientras Will Forte lleva a su desconcertado padre Woody (Dern) por el vasto estado y vuelven a visitar la ciudad escasamente poblada donde creció Woody, hay un aire de pérdida y vacío que desencadena los raros momentos cálidos de unión familiar y simpatía. Y en un Hollywood a menudo obsesionado con las ganancias y las riquezas, es bueno ver tal triunfo sobre un billete perdedor.

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39. EL ANILLO BLING

Director: Sofía Coppola

Emitir: Katie Chang, Israel Broussard, Emma Watson, Claire Julien, Taissa Farmiga, Georgia Rock, Leslie Mann

Mejor para: como, mostrándonos totalmente, ya sabes, los niños de hoy en su peor momento. O lo que sea.

De alguna manera, la película de Sofia Coppola es la película de terror del año, que ofrece una visión sombría, casi nihilista, de las vidas vacías de los adolescentes más privilegiados de Los Ángeles, jóvenes que valoran todas las cosas equivocadas y están dispuestos a hacer cualquier cosa para obtener ellos sin pensar mucho en las consecuencias. En otros sentidos, esta es una progresión natural para Coppola, quien siempre se ha centrado en las personas insatisfechas con sus propias vidas y que se mueven en un intento de llenar los espacios vacíos que encuentran en ellas. Pero esta es la más divertida hasta el momento, incluso si las mejores líneas, como 'Quiero liderar un país algún día, por lo que sé' provienen directamente de la vida real.

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38. CUERPOS CALIENTES

Director: jonathan levine

Emitir: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich, Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco

Mejor para: demostrando que hay vida de amor después de la muerte.

Tal vez sorprendentemente, la versión más romántica de Romeo y Julieta este año no fue la suntuosa medieval ambientada en Italia, sino la mugrienta y postapocalíptica sobre zombis. Jonathan Levine y su elenco lograron el truco casi imposible de hacernos apoyar a los muertos vivientes en esta historia de una chica que conoce a un zombi, un zombi se enamora de una chica después de comerse el cerebro de su novio, un zombi intenta convencer a la chica de que él está bien en realidad. Ayuda que Nicholas Hoult sea extrañamente adorable incluso cuando está medio podrido, pero apoya a la discretamente efectiva Teresa Palmer por vender la otra mitad del romance.

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Escuche a Nicholas Hoult en el podcast de Apergo

37. EL DESTRUYE RALPH

Director: moore rico

Emitir: John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer, Jane Lynch, Alan Tudyk, Mindy Kaling, Joe Lo Truglio

Mejor para: dejar que el malo gane.

Apergo ha argumentado en el pasado que es completamente posible hacer una gran película de videojuegos, siempre y cuando no te molestes en hacer el juego primero (ver también: Crank, Scott Pilgrim) y aquí hay más pruebas. Wreck-It Ralph se pone del lado de los desvalidos, postulando que a veces incluso el malo necesita una victoria, y los intentos de su desventurado (anti)héroe de superar su propia naturaleza lo hacen más interesante que casi cualquier protagonista de Disney Animation que hayamos visto antes. . Con gloriosas aventuras de salto de juego (en todo caso, la película necesitaba más) y un montón de cameos de renombre, esto tiene suficiente corazón para que no tengas que ser un jugador para amarlo. Sin embargo, una advertencia: los segmentos de Sugar Rush pueden dejarte con un antojo casi insaciable de dulces.

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Escuche a John C. Reilly hablar sobre la película en el podcast de Apergo

Enumeramos los cameos de videojuegos que queremos ver en la secuela

36. EL LUGAR MÁS ALLÁ DE LOS PINOS

Director: Derek Cian Francia

Emitir: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Dane DeHaan

Mejor para: combinando a Ryan Gosling y Bradley Cooper en una sexy reacción química que fácilmente podría haber explotado el planeta.

Si el público acudió por dos de los hombres más sexys de la revista People, se quedó por una parábola en capas sobre el crimen, las familias y las responsabilidades de la paternidad. Presumiblemente para proteger nuestros ojos, Baby Goose y B-Coops comparten solo unas pocas escenas breves en la película que se tambalea inesperadamente de un thriller criminal a algo más, bueno, profundo en su punto medio. Si eso hace que suene como la respuesta de 2013 a Heat, la comparación no está demasiado lejos de la verdad. Cooper y DeHaan, un político calculador y un joven vengativo respectivamente, muestran cómo las malas decisiones pueden repercutir a lo largo de los años. Sabíamos que Derek Cianfrance de Blue Valentine podía clavar los momentos íntimos, pero esta historia ambiciosa con matices de tragedia griega demostró que un lienzo más grande tampoco tenía miedo para él.

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35. SALVANDO AL SR. BANCOS

Director: John Hancock

Emitir: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Bradley Whitford, Ruth Wilson, Jason Schwartzman, B.J. Novak, Paul Giamatti

Mejor para: mostrando que una cucharada de azúcar hace que incluso la peor medicina baje.

Los avances hicieron que pareciera una batalla de voluntades entre la autora de Mary Poppins, PL Travers (Emma Thompson) y el Walt Disney de Tom Hanks, pero, por supuesto, ya sabemos el resultado de esa batalla. En cambio, esto funciona mejor cuando se enfoca en la propia Travers, con Thompson en una forma excepcional bajo una permanente de miedo como la autora rígida, educadora pero de alguna manera agradable. Su horror por la cultura estadounidense es hilarante y, nos atrevemos a decirlo, completamente comprensible, y el choque con el estilo de Disney está bellamente juzgado. Tal vez debería haberla llevado a volar una cometa en su lugar.

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34. STAR TREK HACIA LA OSCURIDAD

Director: JJ Abrams

Emitir: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Simon Pegg, Benedict Cumberbatch, Karl Urban, Anton Yelchin, John Cho, Alice Eve

Mejor para: yendo audazmente por todos lados.

2009.s Star Trek tenía las grandes ventajas de las bajas expectativas y una llegada relativamente sigilosa. Pero su gran éxito significa que su secuela comenzó con todas las miradas puestas y esperanzas en algún lugar de la estratosfera. Felicitaciones, entonces, a Abrams y al equipo por mantener la mayor parte de la trama en secreto y ofrecer algunas sorpresas relacionadas con la podredumbre en el corazón de la Flota Estelar y algo más cercano a un thriller de los 70 de lo que la serie ha intentado antes. El villano de Cumberbatch demostró ser capaz de defenderse de la poderosa pareja de Kirk y Spock, y cada miembro de la tripulación tuvo al menos un momento de heroísmo. ¡Sigue la misión de cinco años!

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Galería exclusiva: conoce al equipo J.J. - AKA Sala de Máquinas de la Flota Estelar

33. LOS MISERABLES

Director: tom hooper

Emitir: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Eddie Redmayne, Amanda Seyfried, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit

Mejor para: cantando en vivo en el set.

Casi un año después de su estreno, la música de Los Miserables sigue resonando en nuestros oídos. A fuerza de hacer que su escandalosamente talentoso elenco cantara en vivo en el set, el director Tom Hooper mantuvo el énfasis en la emoción y, como resultado, la música, incluso cuando una nota se tambaleó, tuvo un impacto mayor que el que podría haber brindado la actuación de estudio más pulida. . Mientras que Anne Hathaway se llevó el Oscar por su trágico papel como Fantine, el MVP para nosotros es el compasivo y a menudo desesperado Jean Valjean de Jackman.

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Escuche la entrevista de Apergo Podcast con Tom Hooper

Echa un vistazo a la forma vocal anterior del elenco.

32. LO IMPOSIBLE

Director: Juan Antonio Bayona

Emitir: Ewan McGregor, Naomi Watts, Tom Holland, Samuel Joslin, Oaklee Pendergast

Mejor para: una descripción cruda y profundamente emocional de una familia en peligro.

Cuando el talentoso español Juan Antonio Bayona siguió El orfanato con un tipo diferente de película de terror, hubo quejas sobre la refundición de su familia de la vida real con actores caucásicos. En verdad, pronto se olvidó, dejada de lado por los temas universales conscientes de la película y el impacto visceral. El tsunami de Tailandia, precedido por la bandada de pájaros más espeluznante desde que Hitchcock fue a Bodega Bay, se abatió sobre el clan Bennet y dejó a cada uno con una lucha brutal por sobrevivir en medio del apocalipsis representado de manera convincente. Naomi Watts y el recién llegado Tom Holland, ganador del Premio Apergo, estuvieron fantásticos, pero Ewan McGregor se coló el premio MVP por una escena de la estación de autobuses que podría haber sido patrocinada por Kleenex.

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31. YA ES TIEMPO

Director: ricardo curtis

Emitir: Domnhall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy, Lindsay Duncan, Tom Hollander, Margot Robbie, Lydia Wilson

Mejor para: padres e hijos.

A veces, un director puede usar su propia reputación como farol. A partir de los avances y la sinopsis de About Time, todos pensamos que sabíamos qué esperar: era otra comedia romántica suave de la escuela Curtis, esta vez con un giro en el tiempo. Pero lo que surgió es tanto una historia sobre padres e hijos como sobre amantes, y es en las escenas entre el Tim de Domnhall Gleeson y el papá de Bill Nighy (es significativo que no tenga otro nombre) donde el corazón de la película realmente late, ya que se vuelve una historia sobre crecer y decir adiós.

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30. FRANCES HA

Director: Noah Baumbach

Emitir: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Zegen

Mejor para: una ración ganadora de pura Greta Gerwiggery impulsada por David Bowie.

En algún lugar de Movie Manhattan, probablemente a tiro de piedra de la torpeza hipster de Lena Dunham y del terapeuta de Woody Allen, conocimos a Frances Ha, una torpe veinteañera con el mundo en sus dos pies izquierdos. Presentada en blanco y negro tan elegante como torpe la soleada heroína de Greta Gerwig, la película de Noah Baumbach era una especie de comedia, una especie de tragedia: un Baby Blue Jasmine. Nos reímos mientras Frances avanzaba valientemente a través de su vida con toda la seguridad de un potro recién nacido, sabiendo que el tiempo todavía estaba de su lado, pero con más que un toque de preocupación por su futuro, ya que descubre que el optimismo por sí solo no hará el trabajo. El guión de Baumbach le dio un gran diálogo para entregar ('¡No me trates como a un amigo de un brunch de tres horas!'), Representando perfectamente la cadencia única de las amistades y los cambios dolorosos que la vida te impone cuando estás ocupado organizando bebidas.

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29. FILOMENA

Director: Esteban Frears

Emitir: Judi Dench, Steve Coogan, Sophie Kennedy Clark, Sean Mahon Mejor para: recapitulando novelas románticas, haciéndote querer llamar a tu madre.

Convirtiendo lo que podría haber sido una película de Hallmark en un fascinante misterio, esta historia de una mujer que busca a su hijo perdido hace mucho tiempo cobra vida gloriosa gracias a un guión que evita los clichés y el melodrama y un elenco que son los mejores amigos disparejos desde que conoció a Riggs. Murtaugh. Judi Dench y Steve Coogan brindan un estudio de contrastes en todos los niveles: su Philomena es básicamente optimista, a veces ingenua, a menudo mansa cuando se enfrenta a la autoridad; es cínico, mundano y descarado. Pero incluso él se conmueve por su búsqueda tranquila, y la audiencia con él. Una de las películas más conmovedoras del año, y tiene éxito sin sentirse manipuladora.

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28. HOMBRE DE ACERO

Director: Zack Snyder

Emitir: Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Diane Lane, Antje Traue, Richard Schiff

Mejor para: haciéndonos creer que Superman puede volar de nuevo.

El Superman reinventado de Zack Snyder comienza a lo grande, en Krypton, en medio de dragones voladores y bajo una luna en explosión, y luego, increíblemente, se vuelve más grande incluso mientras se esfuerza por mantener el enfoque en los conflictos emocionales y humanos que se encuentran debajo de la piel impenetrable de Superman. Hay momentos de pura poesía visual cuando Clark Kent se convierte en Superman (su primer vuelo como una flecha en el aire es una de las tomas del año), pero la película deja espacio para que los humanos que lo rodean también asuman un papel. Recuerda, esta es la película en la que Toby Ziegler salva al mundo, y eso es algo para atesorar.

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Lea a los productores, Charles Roven y Deborah Snyder, sobre la película.

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27. TRANCE

Director: danny boyle

Emitir: James McAvoy, Rosario Dawson, Vincent Cassel

Mejor para: el arte de la larga estafa.

¿Por qué tener un giro cuando puedes construir un rompecabezas al estilo M. C. Escher de tu película? La racha de elecciones cinematográficas completamente impredecibles de Danny Boyle continuó con este thriller sexy y sospechoso, ambientado en un Londres reconocible pero poblado por personajes que harías bien en evitar. Dado que, a veces, el eternamente siniestro Vincent Cassel es el personaje más confiable en la pantalla, sabes que este es un grupo realmente presionado. Mientras tanto, McAvoy es tan bueno como siempre en un papel que lo ve cambiar a medida que su propia memoria va y viene, y Dawson nunca ha estado mejor.

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26. LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS

Director: francisco lorenzo

Emitir: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Sam Claflin, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Donald Sutherland, Jeffrey Wright, Jena Malone

Mejor para: demostrando que las probabilidades están muy a favor de Katniss.

La primera película tuvo que superar todas esas ridículas etiquetas de 'próximo Crepúsculo', lo que hizo con cierto estilo. En cambio, En llamas tuvo que enfrentarse a expectativas altísimas y luchar con el hecho de que una mala adaptación podría haber sido más o menos una nueva versión de la primera película. Felizmente, el director entrante Francis Lawrence amplió el enfoque y pasó la mayor parte de su tiempo fuera de la arena de los Juegos, descubriendo el mundo de Panem y explicando cuán fundamental se ha convertido la desafortunada Katniss de Jennifer Lawrence. El resultado fue una película que se sintió, sí, más oscura, pero también más fuerte y poderosa.

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25. UN CAMPO EN INGLATERRA

Director: Ben Wheatley

Emitir: Michael Smiley, Reece Shearsmith, Julian Barratt, Richard Glover, Peter Ferdinando, Sara Dee, Ryan Pope

Mejor para: cosas que te hacen enloquecer.

La primera incursión de Ben Wheatley en la rica y en gran medida trastornada historia de Inglaterra seguramente no será la última a juzgar por lo bien que se divirtió claramente con su mentalidad de la Guerra Civil. Trippy no es la mitad de esto, ya que el asistente del alquimista Reece Shearsmith se encuentra con los desertores del ejército Peter Ferdinando y Richard Glover, antes de que aparezca el misterioso irlandés Michael Smiley, se ingieren hongos mágicos, se cavan agujeros y la mente se pierde en una (mala) aventura esporosamente surrealista. El docudrama 1964 Culloden de Peter Watkins fue una especie de punto de referencia, y muchos también citaron rápidamente a Witchfinder General, pero en realidad los resultados no se parecían a nada que hubiéramos visto antes. No importa la escalera de Jacob, aquí estaba la pala de Jacob.

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24. SUCIEDAD

Director: Jon S Baird

Emitir: James McAvoy, Eddie Marsan, Jamie Bell, Imogen Poots

Mejor para: hombres que se portan mal.

En la página, el héroe de Irvine Welsh's Filth es una especie de escoria pura, un policía corrupto que normalmente consume más sustancias que alteran la mente que los delincuentes. En la pantalla, todavía es terrible, con una rancia falta de moralidad que puedes tocar, pero James McAvoy le da suficientes matices y humanidad que casi sientes lástima por el bastardo explotador de mierda. Mientras tanto, la película transfiere intacto el humor escandaloso y el aire de decadencia de la cordura del libro, de modo que la propia Mary Whitehouse tendría que ceder y reírse de sus desesperados intentos de conseguir un gran ascenso y mostrar a sus rivales quién es el jefe.

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23. EL AZUL ES EL COLOR MÁS CÁLIDO

Director: Abdellatif Kechiche

Emitir: Léa Seydoux, Adele Exarchopoulos, Salim Kechiouche

Mejor para: cualquiera que tenga corazón.

La película del tunecino-francés Abdellatif Kechiche se convirtió en una de las historias de 2013, una película de 179 minutos sin precedentes con el jurado de Cannes de Steven Spielberg otorgando la Palma de Oro no solo al director sino, radicalmente, a las actrices principales Adele Exarchopoulos y Lea Seydoux. Siguió una amarga guerra de palabras entre el elenco y el equipo, que afirmaron que fueron explotados durante el rodaje, y el director, que amenazó con retirar la película del estreno. Felizmente, Kechiche cedió, porque Blue Is The Warmest Color (título en francés: La Vie D'Adele: Chapitres 1 Et 2) es lo que los jóvenes llaman 'totes emosh', un impresionante retrato de Adele (Exarchopoulos) de 15 años tal como rastrea su vida desde que dejó la escuela hasta los veinte años, dominada por su apasionada relación con la artista de cabello azul Emma (Seydoux). Pero olvídate de las escenas de sexo ridículamente explícitas y de las que tanto se habla: esta es una historia sobre la mayoría de edad conmovedora, bellamente observada y perfectamente interpretada sobre cómo encontrar tu propio espacio en el mundo, ya sea en el lugar de trabajo, en la sala de estar o en la sala de estar. la cama doble Los capítulos 3 y 4 no pueden llegar lo suficientemente pronto.

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22. TODO ESTÁ PERDIDO

Director: J.C. chandor

Emitir: Roberto Redford

Mejor para: el viejo y el mar.

Casi sin palabras pero nunca en silencio, esta es otra de las historias de este año de un individuo solo contra los elementos y las adversidades. Redford es el marinero cuyo yate sufre una ruptura en el casco poco antes de encontrarse con una gran tormenta. Estoico y decidido, se las arregla para mantenerse a flote a través de la lluvia torrencial y las enormes olas, pero la película nunca te permite olvidar que es un pequeño punto en un vasto océano, y la ayuda está lejos de estar cerca. El director J.C. Chandor, que presentó un gran drama sonoro con Margin Call, demuestra que no necesita montones de diálogos para captar nuestra atención, y la actuación de Redford puede ser la mejor de su carrera.

21. COLOR ARRIBA

Director: Shane Carruth

Emitir: Amy Seimetz, Andrew Sensenig, Shane Carruth, Thiago Martins

Mejor para: alteración de la mente tanto narrativa como real.

Hay algún tipo de trama en el soñador seguimiento de Primer de Shane Carruth. Implica el ciclo de vida de una droga que deja a las personas curiosamente maleables al control externo, y que tiene una cualidad casi bíblica (¿se expulsa de las personas a los cerdos? ¿La droga es un demonio?). Diálogo ligero y casi completamente libre de exposición, esto te deja hacer todo el trabajo pesado de averiguar qué está pasando mientras te dejas llevar por lo hermoso que se ve todo. Después de Primer y esto, no podemos esperar a ver qué hace Carruth a continuación.

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Escuche a Shane Carruth en el podcast de Apergo

20. ATLAS DE NUBES

Director: Lana WachowskiAndy WachowskiTom Tykwer

Emitir: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess, Jim Broadbent, Hugh Grant, Hugo Weaving, Ben Whishaw, Doona Bae

Mejor para: adaptar un libro imposible de una manera imposible.

Claro, no todo el maquillaje. bastante funciona, pero déjalo ir. Cloud Atlas es un libro obviamente imposible de adaptar, por lo que Wachowskis y Tykwer merecerían felicitaciones incluso por el intento. Pero, de hecho, logran encontrar una manera de abordar las ideas en expansión del libro en la pantalla, abandonando la estructura de la muñeca rusa por una serie de historias entrelazadas unidas por el mismo elenco que interpreta personajes a través de épocas y razas. Es un enfoque intrincado ya veces vertiginoso, pero es difícil imaginar otro medio tan efectivo.

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¿Qué diablos es Cloud Atlas?

Una mirada antes y después de los efectos visuales de la película

15 magníficos carteles hechos por fans

Detrás de escena en Cloud Atlas

19. PEZ NEGRO

Director: Gabriela Cowperthwaite

Emitir: Tilikum la orca

Mejor para: haciéndote reconsiderar tus planes de parque temático.

Una de las pocas películas que apareció en las noticias y en las páginas de películas de nuestros periódicos, Blackfish fue The Cove de este año. También era una película de terror si trabajabas en el departamento de relaciones públicas de SeaWorld, porque el cautivador y enfadado documental de Gabriela Cowperthwaite alertó al resto del mundo sobre las condiciones en las que se mantienen en cautiverio a las orcas. Una réplica enojada de SeaWorld, que no convenció a nadie de que la contundente película no tenía razón, solo llamó más la atención sobre los problemas planteados. El relato de la película sobre la muerte de la entrenadora de ballenas asesinas Dawn Brancheau, mutilada y ahogada por una orca toro de 12,000 libras en 2010, generó serias dudas sobre el trauma psicológico y la seguridad, pero, como The Cove, esta fue una película de problemas que corrió como un thriller.

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18. SOLO DIOS PERDONA

Director: Nicolás Winding Refn

Emitir: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm

Mejor para: una visión del infierno empapada de neón y magníficamente filmada.

Esta es la única película de este año que aparece en Apergo's best y peores listas, una división de opiniones que sospechamos complacerá a su director mucho más que la adoración universal. En un Bangkok saturado de color, un sombrío estadounidense llamado Julian (Gosling) es enviado de mala gana por su espantosa madre (Scott Thomas) para vengar a su hermano, quien fue asesinado en venganza por matar a una niña. Pero Julian se enfrenta a Chang (Pansringarm) al estilo Terminator, y el thriller criminal que sigue sirve como un drama familiar al estilo Grifters, una crítica del imperialismo occidental y una oda a las alegrías del karaoke.

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El lector de Apergo diseña la portada oficial del steelbook para Solo Dios perdona

17. THOR: EL MUNDO OSCURO

Director: alan taylor

Emitir: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Christopher Eccleston, Stellan Skarsgård, Kat Denning

Mejor para: bajando el martillo.

Los rumores eran preocupantes. Hubo historias de reescrituras, regrabaciones y cualquier otra forma de replanteamiento. Resulta que, no solo no teníamos nada que temer, sino que los detractores fueron golpeados a mediados de la próxima semana. El segundo Thor fue más divertido, más seguro y más tranquilo que su predecesor, brindándonos mucho más bromance entre Thor y Loki y muchas cabriolas para los humanos sin superpoderes. Claro, la 'ciencia' no tiene ni un ápice de sentido y no se puede ir de Charing Cross a Greenwich en tres paradas de metro, pero nos reíamos demasiado como para que nos importara.

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Escuche el Podcast de Apergo (versión sin spoilers)

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Lea los secretos (spoiler) de la película

16. CORTO PLAZO 12

Director: Destin Daniel Cretton

Emitir: Brie Larson, Frantz Turner, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Keith Stanfield

Mejor para: recordándonos que el cine independiente estadounidense aún puede contar historias pequeñas y perfectamente formadas.

Sobre el papel, es casi imposible hacer que Short Term 12 suene atractivo para el espectador casual: después de todo, es la historia de un hogar de acogida lleno de niños dañados y los adultos jóvenes casi igualmente dañados que los supervisan. Pero en la pantalla, hay tanto corazón y humor que se siente a un millón de millas del tipo de festival de miseria que podrías esperar. Brie Larson fue una de las estrellas del año después de su papel complejo y compasivo como la líder del hogar, Grace, quien es una roca para sus pupilos pero que se está desmoronando por dentro. Más de esto, por favor.

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Lea a Brie Larson hablando sobre la película.

15. JAZMÍN AZUL

Director: Woody Allen

Emitir: Cate Blanchett, Sally Hawkins, Adam Baldwin, Bobby Cannavale, Louis CK

Mejor para: un retrato de una mujer que se desmorona.

Pregúntele a la actual ganadora del Oscar a la Mejor Actriz, Jennifer Lawrence, sobre la mejor actuación en la historia del cine y ella nombrará el turno de Cate Blanchett aquí. Y es fácil ver por qué: la nerviosa Jasmine de Blanchett está al borde del ataque de nervios tras la ruptura de su matrimonio y su estilo de vida mimado. Pasando de ser una reina de la sociedad cool a ser una neurótica delirante, su actuación ancla la película, hábilmente asistida por Sally Hawkins, en particular, como su hermana más solidaria y compasiva. El resultado es otro regreso a la forma para ese perenne y resistente Woody Allen.

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Mira a Cate Blanchett hablar sobre la película

14. DETRÁS DEL CANDELABRO

Director: steven soderbergh

Emitir: Michael Douglas, Matt Damon, Rob Lowe

Mejor para: diamante, visón y música de piano, por supuesto.

'No puedo creer que Liberace fuera gay. Quiero decir, las mujeres lo amaban', dijo Austin Powers al despertar de un sueño criogénico y ponerse al día con un mundo enloquecido. Podría haber usado la película de HBO de Soderbergh como una introducción a lo que se perdió, levantando la tapa de la vida privada de Liberace para demostrar que, sí, el pianista deslumbrado y extravagante era realmente gay. Pero esto va más allá de los gestos del campamento y esos increíbles disfraces para mostrar una figura que a menudo es encantadora, a veces cruel, enormemente insegura y sorprendentemente comprensiva en esta historia llena de matices. Máxima puntuación tanto para Michael Douglas como para Matt Damon por interpretar un romance que podría haber sido una nota en otras manos como un tira y afloja de amor.

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13. DJANGO DESencadenado

Director: Quentin Tarantino

Emitir: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington

Mejor para: realización de deseos frente al trato adecuado de los dueños de esclavos.

A Quentin Tarantino le gustan las historias sangrientas de venganza, pero rara vez ha sido por una mejor causa que en esta historia de un esclavo liberado, el titular Django (Jamie Foxx) que desata el infierno contra el dueño de la plantación completamente podrido (DiCaprio) que retiene a su esposa (Washington ). No es exactamente sutil o realista, pero el júbilo y el entusiasmo de los cómics con los que la violencia finalmente se envía a los dueños de esclavos y sus cómplices que lo merecen por completo lo convierten en un placer visceral, como gran parte del otro trabajo del director.

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Sugerimos otra historia revisionista para que Tarantino la aborde

12. EL FIN DEL MUNDO

Director: edgar wright

Emitir: Simon Pegg, Nick Frost, Paddy Considine, Rosamund Pike, Eddie Marsan, Martin Freeman

Mejor para: presagios intrincados y una mirada convincente a la amistad masculina y al crecimiento.

La trilogía Three Flavors Cornetto concluyó de manera triunfal este verano con un apocalipsis alienígena como Roland Emmerich apenas podría haber soñado. Después de un triunfo de zombis y una película de acción de un pueblo pequeño (OK, ciudad), aquí vemos el fin del mundo a través de los ojos de un alcohólico y sus mejores amigos perdidos hace mucho tiempo. Un poco más oscuro y emocionalmente más complicado que lo anterior, esta es una historia bellamente construida que cubre la nostalgia, el autoengaño, la adicción y los hombres de huevos aplastantes. Esperemos que esta no sea la última colaboración de Wright, Frost y Pegg.

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11. CERO TREINTA OSCURO

Director: kathryn bigelow

Emitir: Jessica Chastain, Jason Clarke, Mark Strong, James Gandolfini, Chris Pratt, Joel Edgerton, Jennifer Ehle

Mejor para: atrapar al malo.

Sabes que estás cubriendo la historia reciente cuando el final de tu película cambia antes de que puedas terminarla. La continuación de Kathryn Bigelow de Hurt Locker, ganadora del Oscar, la ve dramatizar la búsqueda de Osama bin Laden de una manera que es moralmente compleja, propulsora y fascinante. Mia de Jessica Chastain endurece visiblemente su piel y endurece su columna vertebral a medida que avanza la película; Rodeada de machos alfa, pronto se convierte en la más dominante de todos, conduciendo para lanzar la redada final en el complejo de bin Laden con poco más que valor y determinación.

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Escuche a Mark Strong en el podcast de Apergo

Lea la entrevista llena de spoilers del guionista Mark Boal

Mira a Jessica Chastain hablar sobre su papel protagónico

10. ALAN PERDIZ: PAPA ALFA

Director: Declan Lowney

Emitir: Steve Coogan, Colm Meaney, Felicity Montagu, Monica Dolan, Sean Pertwee

Mejor para: dándonos una respuesta definitiva sobre el peor tipo de 'traficante'.

Adaptar un querido personaje de televisión para la pantalla grande es una tarea llena de peligros, pero Alan Partridge lo manejó con aplomo (una palabra que no suele asociarse con el residente ficticio de Norfolk). Este es un personaje que funciona mejor en un mundo pequeño, húmedo y mediocre, y felizmente para nosotros, los cineastas descartaron todas las sugerencias de llevar a Alan a Estados Unidos o empujarlo a un escenario más grande y quizás realmente significativo, y mantuvieron las risas dejando que Alan llegar a su trabajo diario. Así que la acción se apega a Norwich, el guión se apega a las preocupaciones locales y el poliéster se apega a todo.

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Bill Oddie habla de Alan Partridge

Steve Coogan habla de Alan Partridge

9. LA GRAN BELLEZA

Director: paolo sorrentino

Emitir: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Carlo Buccirosso

Mejor para: reimaginando La Dolce Vita de Federico Fellini como una odisea romana del siglo XXI.

Tony Servillo y Paolo Sorrentino se reencontraron por cuarta vez en una joya de la lengua italiana que irrumpió en el circuito de festivales en una explosión de energía e ideas. Al igual que sus dos últimas colaboraciones, Il Divo y The Consequences Of Love, tenía al Servillo maravillosamente irónico en su mejor momento. Presentó a su novelista/escritor/bon vivant Jep Gambardella (piense en el truco de la Dolce Vita de Marcello Mastroianni sazonado por los años y el extraño brandy) como un hombre que observa su propia fiesta disco como un diablillo travieso que presencia el final de los días, se necesita nosotros en un viaje a través de una ciudad a veces decadente y devota, pero nunca menos que fascinante.

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8. ANTES DE LA MEDIANOCHE

Director: Richard Linklater

Emitir: Ethan HawkeJulie Delpy

Mejor para: mostrándonos lo que sucede después del felices para siempre.

Esta colaboración continua del guionista y director Richard Linklater y sus coguionistas y estrellas Julie Delpy y Ethan Hawke es uno de los experimentos más exitosos del cine. Durante más de 20 años, hemos tenido la oportunidad de echar un vistazo a tres momentos clave en las vidas de Jesse y Celine mientras debaten sobre la vida, el amor, el sexo y su propio futuro compartido. Sus discusiones se sienten tan naturales (aunque hiperarticuladas y bien expresadas) que los espectadores se quedan secretamente esperando que 'Julie Delpy' y 'Ethan Hawke' sean los personajes, y Celine y Jesse todavía están en algún lugar, caminando y hablando. de una manera que avergüenza incluso a Aaron Sorkin.

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7. HOMBRE DE HIERRO 3

Director: shane negro

Emitir: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Guy Pearce, Ben Kingsley, Don Cheadle

Mejor para: entregando una escala de éxito de taquilla mientras socava ingeniosamente los clichés a medida que avanza.

A los críticos de los periódicos les encanta hablar sobre la fatiga de los superhéroes, pero mientras las películas sigan siendo tan ingeniosas y sorprendentes como la secuela de Iron Three de este verano, no llegará pronto. La primera salida posterior a los Vengadores para los mejores de Marvel vio a Tony Stark con la espalda contra la pared y privado de las comodidades habituales de su hogar, pero mucho mejor. El director entrante, Shane Black, inevitablemente ambientó la historia en Navidad, pero entregó sorpresas tanto pequeñas (¡un niño lindo que no es molesto!) como enormes (ya sabes a lo que nos referimos). Más divertido que un barril de monos.

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6. FOMDERERO

Director: parque chan-wook

Emitir: Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, Jacki Weaver

Mejor para: atmósfera espeluznante y usos novedosos para lápices.

Una historia lenta sobre la mayoría de edad que desafía la categorización fácil, se mete debajo de la piel y se queda allí. Matthew Goode interpreta al misterioso tío Charlie que aparece en el funeral de su hermano para consolar a la afligida viuda Evie (Kidman) y a su hija India (Wasikowska), pero aunque inmediatamente queda claro que está ocultando algo y que no todo está del todo bien en el estado. de la India, todavía te sorprende cuando te das cuenta de lo que has estado viendo todo el tiempo.

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5. LINCOLN

Director: steven spielberg

Emitir: Daniel Day-Lewis, David Strathairn, Sally Field, Bruce McGill, Tommy Lee Jones, James Spader

Mejor para: resumiendo el carácter de un gran hombre en un breve lapso de semanas.

Steven Spielberg. Daniel Day Lewis. El presidente estadounidense más grande de la historia (discutir; 10 puntos). Es un equipo de ensueño incluso antes de llegar al elenco de apoyo (Strathairn, Spader, Field) y solo se vuelve más soñador a partir de ahí. Al centrarse en la lucha por aprobar la Enmienda 13 a la Constitución de los EE. UU., Spielberg elude la brutalidad de la Guerra Civil de los EE. UU. (al menos un poco) para centrarse en los altos ideales por los que Lincoln, al menos, luchó. Tan inspirador que puedes encontrarte cantando el Star-Spangled Banner al final.

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Una cartilla de historia para Lincoln

[objeto Objeto][objeto Objeto] DECISIONES EJECUTIVAS

CÓMO STEVEN SPIELBERG CASI HIZO, LUEGO NO HIZO, LUEGO HIZO LINCOLN

PALABRAS: IAN FREER

Esta función apareció por primera vez en el número 283 de Revista Apergo __.

'NO LEO TWEETS, así que no compartas nada más conmigo', dice Steven Spielberg, acomodándose en su silla, dejando caer su característica gorra plana en la mesa de café frente a él. 'Leí el tuit de Whoopi Goldberg solo porque me lo puso en la cara'. Es la tarde posterior al estreno mundial no oficial de Lincoln en el Festival de Cine de Nueva York y estamos en un apartamento de esquina en el piso 12 del hotel The Ritz-Carlton, Central Park llena el marco de la ventana de CinemaScope. Apergo ha comenzado a retransmitir las predicciones de los #oscar después de la proyección, pero Spielberg, notoriamente circunspecto en torno a la hora de los premios, nos ha detenido en seco. Aunque la película está a solo unas semanas de su estreno en EE. UU. el 9 de noviembre, todavía está haciendo ajustes de edición, color y créditos finales ('Es la única vez que he pensado que lo digital era algo bueno'), pero su Lincoln aventura -cuando empezó, Bill Clinton estaba en la Casa Blanca- está llegando a su fin.

'No lo hice rápido', sugiere. 'Me tomó mucho tiempo hacer bien el guión. Me tomó mucho tiempo encontrar mi Lincoln. Ahora estoy en un momento en el que estoy orgulloso del trabajo y aliviado de que hayamos hecho despegar esto. Había muchas veces pensé que esto nunca se haría'.

[objeto Objeto] Es una película diferente a todo lo que he dirigido.

[objeto Objeto]

STEVEN SPIELBERG [objeto Objeto] PREPARANDO EL PROYECTO a principios de los 2000, la investigación de Spielberg lo llevó al archivo de Lincoln en Springfield (no, ese no), Illinois. Mientras el director examinaba la panoplia de posesiones presidenciales, se topó con el santo grial de las cosas efímeras de Lincoln: el sombrero de copa. Con guantes blancos, tomó el icónico sombrero en sus manos. ¿Había incluso una pequeña parte de él tentada a probárselo por tamaño?

'No, nunca', dice Spielberg, su rostro pasa por 50 tonos de horror ante la sola idea. 'Nunca me pondría la levita. Nunca me pondría el sombrero. Dios mío. Sería como encender un cigarrillo en la Capilla Sixtina. Y no fumo y no soy católico'.

La erización de Spielberg es indicativa del aura que todavía rodea a Abraham Lincoln, el 16° presidente de los Estados Unidos que salvó a la Unión, puso fin a la Guerra Civil y prácticamente borró la esclavitud de la faz de la Tierra. Para los estadounidenses, Lincoln es una figura deificada en los monumentos conmemorativos de Washington, el cine (El joven Sr. Lincoln de John Ford) y la moneda estadounidense (su rostro está en el billete de cinco dólares) hasta el punto en que se ha convertido en un blanco fácil para satirizar, ya sea Bill & Ted ('¡Que empiece la fiesta, amigos!') o Police Squad! ('... y Rex Hamilton como Abraham Lincoln'). Así como los excesivamente reverentes y los ridículamente irreverentes han secuestrado a Lincoln en igual medida, ahora Spielberg lo está recuperando.

'Siempre he tenido una pasión por sus obras', dice. 'No la imagen que Estados Unidos ha adoptado, sino sus hechos reales. Quería ver más de cerca cómo era ser él, mantener el equilibrio de esta nación sobre sus hombros. Y me alegro de no haber tomado tres -horas y media para hacer eso!'

Si Spielberg tardó más de una década en llevar a Lincoln a la pantalla, le tomó un instante comprometerse a hacerlo. En 1999, el director invitó a la historiadora Doris Kearns Goodwin a unirse a su cerebro en The Unfinished Journey, un cortometraje que Spielberg dirigió para CBS para marcar el cambio de milenio. Al enterarse de que Kearns Goodwin estaba escribiendo Team Of Rivals, una historia de la administración de Lincoln, Spielberg tomó la decisión rápida de adquirir los derechos de la película. Durante años, trabajó con escritor tras escritor (John Logan, Paul Wright), borrador tras borrador, hasta que llegó a una 'epopeya real de D. W. Griffith' que examina al presidente a través del prisma de nueve batallas diferentes de la Guerra Civil. Entonces tuvo un cambio de corazón.

[objeto Objeto] Steven Spielberg se mete en el personaje para dirigir.

'ME DÉ CUENTA QUE HABÍA COMETIDO UN GRAN ERROR', afirma. 'No quería hacer Salvar al soldado Ryan. No quería hacer otra película sobre el combate, esta vez entre el azul y el gris. Solo quería crear un retrato viviente de un presidente que trabaja y un esposo activo y padre. Y no podría hacer eso con la guerra eclipsando a Lincoln'.

Para dar servicio a su nueva visión, Spielberg contrató al dramaturgo Tony Kushner (Munich). El guión resultante tardó cinco años en descifrarse, el primer borrador llegó a la friolera de 550 páginas, cubriendo toda su administración desde 1861 hasta 1865. Sin embargo, dentro del breve bloque de un guión, Spielberg se concentró en una sección de 50 páginas que se centró en Los intentos de Lincoln de aprobar la Enmienda 13 y finalmente abolir la esclavitud.

[object Object] Los estudios adoran la temporada de premios. Es una tontería comparar la tiza y el queso.

[objeto Objeto]

DANIEL DAY-LEWIS [objeto Objeto] Por mucho que el guión poético y culto de Kushner resalte las artimañas políticas involucradas en la aprobación de la enmienda: Lincoln engañó a sus asesores, moderó al abolicionista radical Thaddeus Stevens (Tommy Lee Jones) y contrató a tres muchachos políticos (John Hawkes , James Spader, Tim Blake Nelson) para obtener los 20 votos que la enmienda necesita para aprobar el Congreso; también se trata de cómo la presidencia afecta su relación con la esposa posiblemente bipolar Mary Todd (Sally Field) y el hijo lejano Robert (Joseph Gordon- Levitt). Tiene grandes risas, solo Spielberg puede extraer alivio cómico de la ratificación de una enmienda legislativa, pero no ofusca el dilema central: para impulsar la Enmienda 13, Lincoln eligió prolongar la Guerra Civil, un conflicto que finalmente costó vidas. de 750.000 estadounidenses.

'Lincoln tiene sangre en las manos', dice Spielberg. 'Tomó una decisión muy difícil. Fue torturado durante la toma de esta decisión, pero creo que tomó la decisión correcta. Creo que tomó la única decisión'.

'La temporada de los STUDIOS LOVE AWARDS', dice Daniel Day-Lewis, hoy luciendo cabello corto y elegante, una chaqueta militar ultraelegante y calzas de desagüe. 'La mayoría de los actores que conozco tienen, como mínimo, una actitud ambivalente hacia ellos porque entienden que es una tontería comparar la tiza y el queso. Agradecemos que sea útil para la película y creo que te sientes animado a nivel personal si la gente reconocer su trabajo, pero algunos de ellos duran horas. Los Globos de Oro son TV y Cine en todas las categorías, y en las categorías de cine hay Musical/Comedia, luego Drama. Simplemente nunca termina. Si tiene suerte, siéntate con buenos amigos y ríete mucho y trata de no enfadarte demasiado en el proceso'.

Day-Lewis sería uno de los principales candidatos en cualquier carrera por Mejor Actor, pero ha sido un viaje prolongado hasta la línea de salida. Si sabe algo sobre el Lincoln de Spielberg, sabrá que Liam Neeson fue la primera opción de Spielberg para interpretar el papel principal. Solo que no lo estaba. Cuando el guión estaba en su encarnación de 'D. W. Griffith', el director se lo envió a Daniel Day-Lewis y escuchó una palabra que no debe haber escuchado muy a menudo en los últimos 40 años de su carrera: no.

[objeto Objeto] El Lincoln de Daniel Day-Lewis conduce a sus hombres a caballo.

'Era un guión muy diferente en ese momento', dice Day-Lewis. 'En ese momento me parecía inimaginable asumirlo. No creía que estuviera listo o fuera capaz de hacer eso'.

Spielberg luego acudió a su cohorte de Schindler's List, Neeson, quien investigó profundamente el papel, pero la pareja se separó amigablemente, según Spielberg 'cuando la película pasó a un enfoque más singular'. El proyecto estaba en su punto más bajo hasta que encontró un salvador poco probable en Leonardo DiCaprio. Mientras escuchaba los problemas de Lincoln de Spielberg durante la cena, DiCaprio intercambió buenas palabras con su coprotagonista de Gangs Of New York, y luego de una lluvia de ideas intensiva de dos días con Spielberg y Kushner en Dublín, Day-Lewis participó.

[objeto Objeto] Soy consciente de los cables en el suelo, los walkie-talkies, los anoraks naranjas. No es como si hubiera pasado cuatro meses convencido de que era Abraham Lincoln.

[objeto Objeto]

DANIEL DAY-LEWIS [object Object]'Siempre he sentido que Meryl Streep es nuestra mejor actriz y creo que Daniel y Tom Hanks son nuestros mejores actores', dice Spielberg. 'Sabía que si Daniel no se comprometía con Lincoln, nunca haría Lincoln. Había decidido no hacer la película si Daniel no la hacía conmigo'.

Sin embargo, antes de que Day-Lewis asumiera el papel, hizo una llamada telefónica.

'Liam es amigo mío', dice Day-Lewis. 'Cuando escuché que se había distanciado de eso, me puse en contacto de inmediato. Siento que tiene que haber buenos modales en el negocio. Ya es bastante difícil para los actores sin que otros actores los jodan. Mira la caja oficina de nuestras últimas cuatro películas. Si él no se hubiera echado atrás, no habría tenido ninguna oportunidad'.

El mito que rodea el enfoque de actuación de Day-Lewis es legendario. Dependiendo de a quién leas, ha insistido en ser empujado en una silla de ruedas (Mi pie izquierdo), ha pasado tres noches siendo lavado con manguera en una celda de la prisión (En el nombre del padre), ha aprendido a despellejar animales (El último de los mohicanos) y lució sombrero de copa, capa y bastón durante dos meses antes del rodaje (La edad de la inocencia). Es un comportamiento que sugiere una especie de lunático intenso o (peor) un luvvie insufrible, pero en persona no es ninguno de los dos: reflexivo, ciertamente, pero también lúcido, divertido y encantador. Los rumores sobre su metodología Lincoln van desde exigir que lo llamen 'Sr. Presidente' en el set, hasta entrar en un estado de fuga y rechazar por completo las trampas del siglo XXI. Entonces, ¿las historias de inmersión de su personaje son solo tonterías?

'Algunos de ellos lo son', sonríe. 'Hay semillas de verdad que se desarrollan hasta el grado más hiperbólico. Soy consciente de los cables en el suelo, los walkie-talkies, los anoraks naranjas. No es como si hubiera pasado cuatro meses convencido de que era Abraham Lincoln. Pero cualquiera que se enfoca en su trabajo cierra su visión periférica. Si hace todo lo posible para crear esa ilusión para usted mismo, para llegar a un sentido cohesivo de una vida, ¿por qué seguir saltando dentro y fuera de ella?'

Day-Lewis es plenamente consciente de la reputación que provoca su proceso: 'En Inglaterra, piensan que estoy desquiciado', por lo que toma medidas para que sus compañeros de tripulación sepan 'que no voy a empezar a hablar en lenguas o algo así'.

'Tenía un tipo fantástico del norte del estado de Nueva York que me llevaba al trabajo todos los días', continúa. “Él también había escuchado todos esos rumores. Pensé: 'Vamos a reírnos'. Le dije: 'Ve y dile al capitán de tu equipo que tiene que enviarte a un curso de entrenamiento porque tengo que ir a trabajar en un pony y una trampa todos los días. ¡Dile que insisto absolutamente!''

No hace falta decir que Day-Lewis desaparece en Lincoln, pero reemplaza el interés en el truco de un actor con la absorción en la vida de un hombre. Su Lincoln es una presencia tranquila, digna y melancólica, un narrador hasta la saciedad ('Conozco a una o dos personas así, en las que piensas: 'Tengo cosas que hacer aquí'') y un pensador mesurado (' Tenía un ritmo interno que parecía como si su espíritu hubiera salido del edificio') quien inusualmente combinó esta capacidad de pensamiento casi científica con un profundo pozo de compasión.

'No tengo ninguna duda de que cuando era joven, cuando vio esclavos que se dirigían por el Mississippi, tuvo un efecto muy profundo en él', dice Day-Lewis. 'Y que él genuinamente en su espíritu, no solo intelectualmente, creía que todo hombre tenía derecho a ser libre. Nació para hacer lo que hizo'.

[objeto Objeto] La esposa consultora de Lincoln, Mary Todd (Sally Field).

PARA ENTRAR EN EL PERSONAJE DE 1865, Steven Spielberg dirigió a Lincoln con un traje -hoy lleva puesto uno- para no ser el 'chico del siglo XXI rechoncho y con gorra de béisbol'.

Sin embargo, no es solo su código de vestimenta lo que ha cambiado; es todo su enfoque cinematográfico. Para Spielberg, Lincoln es 'lo más cerca que he estado nunca de dirigir para el escenario'. Es su pieza más llena de conversaciones e impulsada por el rendimiento hasta la fecha. 'Algunas de las escenas duran ocho o nueve minutos con su propio principio, desarrollo y final', dice. '¡No tengo ocho o nueve minutos en ninguna de mis películas!' Y aunque Spielberg ha conservado los magníficos esquemas de iluminación inspirados en Vermeer de Janusz Kaminski (capturados en película, no digital), en su mayoría ha evitado las 'tomas elegantes' que han sido parte integral de su ADN como director desde Duel. También tiene solo unos 30 minutos de la partitura de John Williams: 'John y yo decidimos no subrayar las escenas de diálogo', triturando el sentimiento por el que sus detractores a menudo lo critican. La lista de Schindler lo vio adoptar un aspecto de cine en blanco y negro. Tintín lo vio abandonar la acción en vivo por completo. Pero el enfoque majestuoso y teatral de Lincoln podría ser su cambio más radical hasta la fecha.

'No trato de eclipsar el contenido haciendo algo cinematográfico que obviamente me haría pensar que no estaba interesado o que no confiaba lo suficiente en la dramaturgia de Tony', explica. 'Y debido a que tenía tanto respeto por su lenguaje y nuestra estructura de pantalla, no quería reinventar a Lincoln en el estudio de sonido. Tenía un gran guión y no quería interponerme tratando de hacerlo mejor'. .'

Seamos claros. Este no es un cambio de dirección permanente para Spielberg. Aunque Lincoln puede sentirse desconocido, Spielberg está haciendo esencialmente lo que ha hecho durante toda su carrera: servir el material de la mejor manera que sabe. 'Es bueno a los 65 años que después de 28 películas realmente pueda decir que hice una película diferente a todo lo que he dirigido', reflexiona. 'Y si la gente no quiere verlo porque escucha que no es típico de mi trabajo, lo aceptaré completamente. No soy un ladrador. No puedo sentarme afuera de la carpa con un megáfono. O lo harán o no lo harán'.

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4. BARRO

Director: jeff nichols

Emitir: Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Jacob Lofland, Reese Witherspoon, Sam Shepard, Michael Shannon

Mejor para: sumergiéndote en un cuento sobre la mayoría de edad bañado por el sol.

Mark Twain y Matthew McConaughey chocan por fin en la última película de Jeff Nichols, el hombre que nos trajo anteriormente las excelentes Take Shelter y Shotgun Stories. McConaughey interpreta al hombre titular que se esconde en una isla en medio del río Mississippi esperando a su amante (Witherspoon). Allí, los adolescentes inquisitivos Ellis (Sheridan) y Neckbone (Lofland) se topan con él y, sin darse cuenta, se encuentran con una figura paterna tatuada y supersticiosa que habla con acertijos y representa un rap serio de ayuda e instigación. Nichols, que va viento en popa, sacó lo mejor de su fantástico elenco que incluía a la musa Michael Shannon, en un breve descanso de la filmación de El hombre de acero, McConaughey y los llamativos recién llegados Sheridan y Loveland. Y sí, McConaughey se quitó la camisa.

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[Objeto Objeto][Objeto Objeto] ÉPICA SUCIA

MATTHEW MCCONAUGHEY Y EL DIRECTOR JEFF NICHOLS NO LO HACEN FÁCIL, COMO IMPERIO DESCUBRE EN EL SUR SALVAJE PARA LA MAYORÍA DE EDAD FABLE MUD

PALABRAS: DAMON WISE

Esta función apareció por primera vez en el número 287 de Revista Apergo __.

LA BROMA EN EL SET de la nueva película Mud de Jeff Nichols es que cada vez que sales del asfalto a un camino de grava, estás a 'solo' media hora del lugar. 'Matthew McConaughey se estaba riendo de eso el otro día', dice el director, 'porque cada lugar al que lo llevamos es, como, por este camino loco al que solo se puede llegar en un carrito de golf de cuatro ruedas. Y eso divierte yo... Pero luego llegas allí, a este afloramiento de cipreses gigantes al lado de un lago, y es increíblemente hermoso. Piensas, 'Sí, es por eso que estamos aquí abajo''.

[objeto Objeto] Siempre me han atraído los pantanos Crecí en lugares como este.

[objeto Objeto]

MATTHEW MCCONAUGHEY [objeto Objeto] Aquí está... bueno, francamente, Apergo realmente no lo sabe. Es un buen viaje de 40 minutos desde la ciudad de Stuttgart, Arkansas, donde la temporada de caza de patos está a punto de comenzar (límite de bolsa diaria: seis). De hecho, cuando nos desviamos de la carretera, bajamos por un camino de grava hacia el río donde Nichols nos esperaba en una casa flotante en ruinas, nos encontramos con varios hombres camuflados con escopetas, y de repente los peligros de un débil Wi-Fi flotante. la señal comenzó a hundirse.

Es sábado y estamos en el corazón del sur, no lejos de la casa de la familia de Nichols en la capital del estado, Little Rock. De sus dos películas anteriores, el drama de venganza Shotgun Stories (2007) y la fábula de la enfermedad mental Take Shelter (2011), ambas historias serias que muestran la calidad de estrella tosca y conmovedora de Michael Shannon, es de esperar que Nichols sea un tipo bastante triste. Felizmente, Nichols, de treinta y tantos años, rostro lozano, bien parecido e, inesperadamente, muy divertido, no se parece en nada a sus películas.

Nos muestra la casa flotante, con una amplia sonrisa ante los hilos de pescar, los anzuelos, los cuchillos y las encimeras sucias, todo degradado por años de servicio y abandono. 'Como puedes ver', confiesa, 'me gusta...'

La curiosidad de Apergo está picada. Esto se parece más a esto: hay una bocanada de peligro aquí, una sensación de violencia al acecho. De manera enloquecedora, el momento es interrumpido por una pregunta práctica de uno de los tripulantes. Cuando recupera su atención, le preguntamos qué estaba a punto de decir. 'Oh', dice alegremente. 'Solo... cosas oxidadas, supongo.'

MUD, la TERCERA y más ambiciosa película de NICHOLS, es quizás la representación más fiel del hombre. Se acomoda en un sillón que ha visto días mejores y recuerda cómo una estadía en una casa flotante como esta, con suerte no demasiado como esta, en 2006 fue el catalizador de una historia que fusiona la historia local con los sueños de la infancia del escritor de Missouri Mark Twain. . Para 2008 estaba terminado, pero, sorprendentemente, lo guardó. 'Mis dos primeras películas tenían un presupuesto bastante bajo, y estaba dispuesto a ceder en el dinero solo para hacer algo. Tenía que hacerlo. Tenía que avanzar en mi carrera y todo lo demás. Pero con Mud sabía que no lo haría'. No quiero hacerlo hasta que tenga los recursos para hacerlo. Hay muchas partes móviles en las que no quería comprometerme. Por eso me tomó un poco de tiempo construirlo'.

[objeto Objeto] Matthew McConaughey como el Mud titular se encuentra en un aprieto.

A partir de esa declaración, podría pensar que se trata de una especie de éxito de taquilla, pero, en el fondo, Mud puede ser la historia más simple de Nichols hasta la fecha. 'Supongo que la breve sinopsis sería', dice, 'dos muchachos, Ellis y Neckbone, encuentran a un hombre escondido en una isla en medio del río Mississippi que dice que está huyendo. Así que forman un pacto y deciden para ayudarlo.

'Pero eso es sólo lo que sucede', insiste. 'En las películas, bueno, al menos con suerte en mis películas, está lo que sucede y luego está el tema de la película, y a menudo son dos cosas diferentes. Y cuando escribo, trato de escribir algún tipo de idea o emoción universal, o tema Mi primera película fue sobre la venganza, mi última película fue sobre la ansiedad, y esta película, bueno, es vieja pero buena.

Quiero decir, esto es sólo sobre el amor. Se trata de la búsqueda de un niño de un ejemplo de amor que funcione, y está buscando en todos los lugares equivocados.

[objeto Objeto] Estoy tratando de hacer películas clásicas... películas con alcance.

[objeto Objeto]

JEFF NICHOLS [objeto Objeto]'La gente ha estado usando el término 'historia de la mayoría de edad'', dice, un poco perplejo. 'Y…' Empieza a reírse. '... Supongo que lo es. Supongo que es un término apropiado. Los dos personajes principales y este hombre que encuentran, terminan reflejándose entre sí de muchas maneras. Ambos, en cierto modo, están en este estado. de la adolescencia y están pasando de una etapa de su vida a otra. Y esta película resulta ser una instantánea durante ese tipo de transición'.

En este punto debería quedar claro que Mud es más que parte del paisaje. 'Mud es el nombre del chico, ¡sí!' dice Nichols. 'Estaba escuchando esta canción de Townes Van Zandt, Mr. Mudd And Mr. Gold, y pensé que sería un buen nombre. Debatí durante mucho tiempo si tener o no dos 'd's, como en la canción, o uno, y elegí uno. Así que ese es el nombre de su personaje. Y, ya sabes, tiene sentido, porque el lodo de Mississippi es un poco famoso, o infame, y quería llevarlo un poco más lejos. Fuu con eso, pero la adolescencia es un tiempo bastante embarrado. Así que parecía encajar. Tenía sentido '.

Puede que no parezca una progresión lógica -la venganza, la depresión y luego el amor-, pero para Nichols es parte de un plan casi divino. 'Es solo un sueño hecho realidad', dice, 'porque te sientas y trazas estas cosas, pero ¿con qué frecuencia esas cosas se hacen realidad en orden? Primero quería hacer Shotgun Stories, quería hacer Take Shelter segundo y quería hacer Mud tercero. Y quería hacerlos al nivel en el que terminé haciendo cada uno de ellos'.

De los dos anteriores, Take Shelter es el más conocido y el más divisivo, principalmente debido a su final ambiguo. 'Es una película complicada', reconoce. 'Y eso es genial, porque tuvimos que tomar algunos riesgos con la estructura narrativa, y no sueles hacer eso. A algunas personas les gusta, a otras no, pero no creo que nadie me pueda culpar por al menos intentándolo. Es el tipo de final que te dice más sobre ti mismo que la película, supongo. '¿Cómo lo ves? ¿Cómo te hace sentir?' Está bien, así es como tú ¡Me desperté esta mañana, entonces!'

¿Es así como lo pretendía?

'Sí, absolutamente. Esa película fue un experimento en la forma: veamos si podemos colocar esa decisión en la cabeza de la audiencia, en lugar de simplemente dársela. El barro es diferente'.

[objeto Objeto] '¿Alguien sabe cómo encender esta cosa?' Nichols (izquierda) encuentra que su elenco carece de habilidades de supervivencia.

AL DÍA SIGUIENTE, Apergo encuentra a McConaughey en el set de un hospital de una pequeña ciudad, cubierto con un maquillaje que parece más una mancha de madera que pintura de grasa. Tatuajes de serpientes y amuletos atraviesan sus brazos, lleva la 'camisa de la suerte' de Mud (su principal prenda de vestuario), y su cabello es una mata grasienta y rebelde, como es adecuado para un estafador enamorado que se esconde en el sur salvaje. 'Mud es un soñador', dice. 'Es un aristócrata de corazón. Es un poeta de esa manera. No es de esta Tierra, y si se arraigara lo suficiente en esta Tierra, se daría cuenta y vería que necesita seguir adelante y seguir adelante. Pero él no quiere bajar. Así que siempre está persiguiendo, siempre acercándose, persiguiendo a su chica'.

[objeto Objeto] Se metieron muchos nombres en el sombrero, y conocí a muchos muchachos. Pero no podía dejar de pensar que lo había escrito para Matthew.

[objeto Objeto]

JEFF NICHOLS [objeto Objeto] La chica en este caso es Juniper, interpretada por Reese Witherspoon, el voluble amor de la vida de Mud y el tipo de chica que una vez describió memorablemente REM como '50 millas de camino malo'. Witherspoon ha terminado cuando llegamos, pero McConaughey definitivamente está presente. Nadie aquí lo sabe todavía, pero la marea está empezando a cambiar para el actor tejano después de una mala racha de comedias románticas mediocres, y cuando hablamos se encuentra en un punto interesante: The Lincoln Lawyer, Bernie y Killer Joe han terminado y proyectado, con Magic Mike y The Paperboy a continuación, y cosas más grandes en el horizonte.

En el plató, McConaughey es un hilo conductor. Se niega a ir a su remolque, si es que tiene uno. ''Restricciones' no es mi palabra favorita', dice, 'pero en pequeñas películas independientes como esta hay ciertas limitaciones que en realidad permiten más libertad. Una es el tiempo: es más valioso, así que tienes que filmar, porque estamos usando luz natural. Entonces, lo mejor de esto, para un actor como yo, es que vienes al set por la mañana y filmas. No regresas a tu tráiler y esperas la toma. Estás en el set, vas a trabajar. Lo cual es mucho más divertido. Hay una verdadera libertad en eso, y un flujo'.

Parece estar muy a gusto aquí, y los grupos de lugareños que acuden a saludar y gritar su nombre parecen sugerir que el sentimiento es mutuo. 'Siempre me han atraído los pantanos', dice arrastrando las palabras. 'Ríos'. Él ríe. 'Terminé haciendo muchas películas de agua. ¡Hice una de agua salada antes de esta, y ahora acabo de hacer tres películas de pantano seguidas! Pero crecí en lugares como este. Siempre vivimos en la afueras de pueblos pequeños, por lo que siempre estábamos al aire libre, o nadando en lagos, arroyos o ríos. Es algo con lo que me siento muy cómodo'.

Nichols, mirando desde los monitores, está visiblemente emocionado con la actuación de McConaughey. 'Lo gracioso es', dice, 'escribí este papel para Matthew McConaughey. De hecho, antes de escribir el papel, lo escribí para Matthew McConaughey'. Él ríe. 'Te lo explicaré. Recuerdo que en la universidad, estaba de visita en casa y estaba tratando de impresionar a mis amigos. Me decían: '¿Qué estás haciendo?' Le dije: 'Estoy trabajando en este guión para una película. Tendrá a Matthew McConaughey en él'. Tenía 20 o 21 años en ese momento. Y nadie realmente me creía'.

Entonces, ¿Nichols sacó su nombre del aire solo para impresionar a sus amigos? '¡No! Era tan adecuado para este papel. Estaba pensando en este hombre Mud, cómo se veía y cómo sonaba, y cómo hablaba... Yo era un gran admirador de la actuación de Matthew en Lone Star , la película de John Sayles y, por supuesto, Dazed And Confused, y yo estaba como, 'Si pudiera tomar a esos dos personajes y aplastarlos, podría salir del otro lado como una versión de Mud'. Y siempre tuve en mi cabeza que así es como podría ser. Y, por supuesto, cuando se me ocurrió hacer la película, muchos nombres se metieron en el sombrero, y conocí a muchos muchachos, muchos de gente realmente buena. Pero no podía dejar de pensar que lo había escrito para Matthew. Y, afortunadamente, funcionó'.

'Es muy consciente de quién es y dónde está', dice Nichols. 'Al menos desde mi punto de vista. Y está tomando algunas decisiones realmente asombrosas. En realidad opciones increíbles'.

[objeto Objeto] Michael Shannon toma valientemente el manto sin camisa de McConaughey en un pequeño papel como el tío de Neckbone (Jacob Lofland).

EN CUANTO A NICHOLS, él también está tomando algunas decisiones bastante impresionantes. En un momento en el que muchos de sus compañeros están dando tumbos para conseguir un trabajo en un estudio o haciendo películas de arte tímidas al estilo europeo, Nichols es algo así como un pionero, una verdadera voz estadounidense que intenta crear algo a partir de sus raíces. Su productora en Mud, Sarah Green, produjo recientemente El árbol de la vida de Terrence Malick y, con su charla sobre Twain y su amor por la hora dorada, Nichols parece una encarnación más accesible, menos sermoneadora y arcana del autor reticente.

Sin embargo, sigue siendo modesto. 'Si no hubiera ingresado a la escuela de cine, mi único respaldo era obtener un título en antropología cultural', reflexiona. 'Aunque ni siquiera sabía lo que eso significaba. Y todavía no lo sabré. No sé lo que hubiera hecho'.

Vengo de una familia de emprendedores. Mi papá es dueño de una pequeña empresa, mi hermano mediano es un abogado defensor penal que tiene su propia práctica, mi hermano mayor es un músico que comenzó una banda. Así que no puedo dejar de pensar que habría hecho algo en el que traté de hacer mi propio camino. No creo que sea un tipo de cubículo'.

En cambio, es quizás el director estadounidense por excelencia de su época, contando historias que simpatizan con los paisajes dispersos y pasados ​​de moda del sur, con sus iglesias de madera, arados y tiendas Piggly Wiggly, colocándolos en lugares donde los teléfonos móviles no se usan. por puntos de trama porque nadie está creciendo con ellos pegados a sus oídos. ¿Él mismo ve eso?

Nichols reflexiona por un minuto. 'Estoy tratando de hacer clásico películas', decide. 'Suena pretencioso, pero me encantan casi todas las películas en las que aparece Paul Newman. Si miras a The Hustler, Hud, Cool Hand Luke, Butch Cassidy y The Sundance Kid... estos son los tipos de películas que quiero hacer, y es el tipo de película que quiero que sea Mud. Cada uno tiene su propio propósito en el mundo. Y quiero que esta película sea una aventura. Lo que no quiere decir que quiera que sea divertido. todos el tiempo. Pero quiero que sea una aventura. No sé si eso es peculiarmente estadounidense o no, porque también me gusta Lawrence de Arabia, de David Lean. Puede que sea porque son grandes. Me gustan las películas con alcance, ya sea un alcance emocional o un alcance visual. Quiero decir, estamos aquí en el río Mississippi, donde se pone... grande'. Se ríe. 'Así que supongo que podría ser una idea estadounidense: ¡grande!'

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3. PRISA

Director: Ron Howard

Emitir: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara, Pierfrancesco Favino

Mejor para: mostrándonos a todos cómo se siente sufrir la necesidad de velocidad.

Ya sea que sea un aficionado a la Fórmula 1 o lo más parecido a un fanático de la gasolina, esta historia de egos enfrentados y estilos contrastantes en la búsqueda del campeonato de pilotos es un retrato convincente de ambición, determinación y velocidad en círculos. Chris Hemsworth le quita los hermosos zapatos a Thor (y todo lo demás) como el duro James Hunt, mientras que Daniel Brühl es su rival más considerado. A veces parece que podría convertirse en una lucha a muerte, pero más allá del peligro mortal, es la combinación de la competencia amarga y el respeto mutuo lo que le da su ventaja.

Lee la reseña de Apergo

prisa contra Real Life: verificamos la película

Lauda/Hunt y Hemsworth/Brühl: ¿qué actor conoce mejor al otro personaje?

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Daniel Brühl sobre su papel

[objeto Objeto][objeto Objeto] LA NECESIDAD DE LA VELOCIDAD

¿CÓMO PONEMOS AL PÚBLICO EN UN COCHE DE F1 A TODA VELOCIDAD? COMO EL DIRECTOR RON HOWARD Y EL CINEMATOGRAFO ANTHONY DOD MANTLE DESCUBRIERON PARA SU GRAN PREMIO DE LA DÉCADA DE LOS 70, AL ARRIESGARLO TODO...

PALABRAS: WILL LAWRENCE

Esta función apareció por primera vez en el número 291 de Revista Apergo __.

RESIDE EN una catedral de pinos, una pista de carreras de 14 millas cortada en el bosque que envuelve el castillo medieval de Nürburg en las montañas de Eifel. Con 160 curvas, esta es la formidable sección Nordschleife de Nürburgring de Alemania, apodada 'El Infierno Verde' por el conductor Jackie Stewart. Alberga el infame Bergwerk, o The Mine, una curva estrecha y larga a la derecha que es notoriamente difícil de tomar a alta velocidad. El Bergwerk se cobró la vida del piloto holandés Carel Godin de Beaufort en 1964 y fue el escenario del accidente del austriaco Niki Lauda y la posterior bola de fuego 12 años después.

[objeto Objeto] Disparar durante dos días en el sitio donde Niki realmente tuvo el accidente, eso fue muy aleccionador.

[objeto Objeto]

RON HOWARD [object Object]Es el accidente casi fatal de Lauda lo que se encuentra en el corazón de Rush, la última entrega del director de Apollo 13 y A Beautiful Mind, Ron Howard, que explora la rivalidad que se desató entre Lauda y James Hunt, dos de Formula 1 luces más ilustres, durante la temporada del Gran Premio de 1976. 'Hacer esta película fue muy emocionante', comienza Howard, 'pero filmar todo lo relacionado con el accidente y la recuperación de Niki Lauda, ​​especialmente filmar durante dos días en el lugar donde Niki tuvo el accidente, fue muy aleccionador.

'Honestamente, hasta entonces había sido muy alegre, pero de repente estábamos haciendo estas escenas y era real. Había sucedido de verdad y era como, '¡Joder! Esto es oscuro...''.

El cineasta mira a su director de fotografía ganador de un Oscar, Anthony Dod Mantle de Slumdog Millionaire, quien asiente solemnemente. 'Hay algo increíblemente apocalíptico en el Anillo', agrega Dod Mantle. 'Es como las pinturas románticas, algo de (Caspar David) Friedrich. Se siente muy cerca del cielo y esa curva en particular tiene un espíritu. Es un lugar aterrador y aunque a los pilotos les encantó el circuito, sabían que era letal. Eso está alimentando tu subconsciente todo el tiempo, con la forma en que movíamos la cámara y los tipos de tomas que hacíamos'.

La producción se desarrolló como dos operaciones separadas, aunque cada una trabajó digitalmente para crear resultados que están vinculados a través de la paleta de colores y el tono. Los cineastas primero se concentraron en lo que Howard describe como 'una película de personajes de los años 70 de $12 millones, con un estilo muy independiente', filmando cuatro o cinco páginas del guión cada día, a veces tomando varias locaciones mientras construían el drama fuera de la pista entre los dos personajes principales, Lauda, ​​encarnado por Daniel Brühl, y Hunt, interpretado por Chris Hemsworth. 'Y luego estaba la unidad de carrera', dice Howard.

[objeto Objeto] Chris Hemsworth y Daniel Brühl como rivales de F1.

La unidad THE RUSH RACE trabajó durante cuatro semanas y devoró un presupuesto aún mayor, los realizadores recopilaron suficientes tomas para al menos ocho carreras, lo que capturaría el sabor y los momentos clave de la temporada de 1976, tomando el Gran Premio en Interlagos, Kyalami, Mónaco, Brands Hatch, Nürburgring, Monza, Watkins Glen y Fuji. Y el momento más trascendental de todos llegó el 1 de agosto de ese año.

Lauda lideraba el campeonato de pilotos cuando llegaron al Gran Premio de Alemania en Nürburgring dos semanas después de la disputada victoria de Hunt en Brands Hatch. Un puñado de pilotos, encabezados por Lauda, ​​se quejaron de las condiciones de seguridad en Nürburgring y solicitaron la cancelación de la carrera. Sin embargo, la mayoría de los pilotos no estuvo de acuerdo y la carrera siguió adelante.

Luego, al comienzo de la carrera en Bergwerk, en la parte trasera del circuito, Lauda perdió el control de su Ferrari y giró a través de la cerca de seguridad hacia un banco de tierra. El auto quedó envuelto en llamas y rebotó en la pista hacia el camino de tres autos que lo seguían. Lauda fue sacado del infierno por sus compañeros conductores y llevado de urgencia al hospital donde comenzó la lucha por su vida. Las imágenes del accidente de la vida real todavía se pueden encontrar en YouTube.

'A veces, hay algo de indiferencia en las imágenes existentes', señala Dod Mantle. 'Te imaginas el momento de Fast & Furious, el auto que gira y la gran explosión, pero las imágenes del accidente de Niki son captadas por un niño de ocho años con un Super 8... A menudo, las imágenes no son el espectáculo increíble que esperas'. esperar como cineasta y eso realmente informó lo que hicimos.

[objeto Objeto] Yo también me he estrellado, así que ahora soy Niki.

[objeto Objeto]

DANIEL BRÜHL [objeto Objeto]No queríamos que las cosas estuvieran perfectamente enmarcadas, porque no es así y le quita algo de realidad.” Pretendían una estética basada en una cierta cantidad de material real, pero con el entendimiento de que el movimiento físico se expandiría.

Por ejemplo, el accidente de Lauda se construyó predominantemente con CGI. 'Desglosamos ese metraje en Super 8 para comprenderlo', explica Howard. 'Hablamos con Niki, aunque él no recuerda mucho, y recibimos mucha ayuda de CGI porque no podíamos destruir un automóvil en ese grado, aunque eventualmente destruimos uno en la escena'.

Siguiendo muy de cerca el metraje en Super 8, los cineastas emplearon la computadora para el choque y el vuelco reales, aunque luego se usó un automóvil real para algunos de los giros y para la bola de fuego. 'Haces lo que puedes sin mutilar la mitad del presupuesto de la película', se ríe Dod Mantle. 'Así que haces girar el auto real en varios grados, comienzas a girar, lo arrastras a lo largo de un riel un poco y luego la quema que podríamos hacer de verdad: quemamos un accidente. Teníamos a Daniel en un traje de fuego y la cámara está allí. Fue petrificante'.

El auto en llamas fue especialmente petrificante para el DP porque estaba dentro del accidente. 'Queríamos filmar algunas cosas subjetivas, así que estoy empacado con la cámara como si fuera Lauda', dice. 'Fui atendido por especialistas de calidad con mantas para quemaduras envueltas alrededor de mí, pero mis cejas se estaban desvaneciendo y mis rodillas temblaban'.

Para capturar el efecto completo del accidente, Howard también le pidió al operador de Steadicam que chocara contra las llamas justo cuando los conductores sacaban a Lauda/Brühl del automóvil en llamas. 'Tuve cierta experiencia trabajando con fuego desde Backdraft', recuerda Howard, 'pero nunca se sabe. Me sentí muy aliviado cuando terminamos porque hice muchas más cosas en la cámara de lo que jamás imaginé que haríamos'. Quería llevar la cámara a lugares que ayudarían a llevar la psicología del piloto a la carrera. No ibas a estar solo en la cabina de un auto de F1. No solo iba rápido. Estabas aprendiendo algo sobre la relación entre el conductor y el coche, la carretera, la mecánica. 'Eso fue vital para obtener la verdadera sensación de una carrera de F1', explica Howard.

[objeto Objeto] Daniel Brühl como Niki Lauda se prepara para otra carrera.

HAY UNA película seminal que tuvo una poderosa influencia en Rush, un documental que relata una historia increíble a través de imágenes de la vida real, evitando el uso de cabezas parlantes. Es una película sencilla y bastante brillante. No es Sena. Es Gimme Shelter de 1970, el legendario documental del controvertido concierto de los Rolling Stones en Altamont. 'Decidí que si nos acercáramos a Rush como una película de rock 'n' roll detrás de escena, sería un estilo que sería enérgico, genial y sexy y algo con lo que nos vincularíamos intuitivamente', dice Howard. 'Lo alejaría de la sensación de ser un documental deportivo con toda la acción'.

Ver Gimme Shelter puede ser una experiencia inquietante (Rush, por el contrario, es bastante edificante), aunque tanto Howard como Dod Mantle exaltan la influencia de sus directores, los hermanos Maysles. 'Con el momento de violencia en esa película, la cámara está ahí y no estás seguro de lo que estás viendo', dice Dod Mantle, refiriéndose a las infames imágenes que muestran el apuñalamiento de un hombre en la multitud por parte de uno de los Hells. Ángeles contratados sin previo aviso como seguridad. 'Ves un lenguaje corporal extraño y eres como un detective viéndolo, preguntándote: '¿Fue ese hombre, y realmente sucedió?''.

[objeto Objeto] Ron y yo tuvimos pactos muy honestos sobre esas cámaras: llevan a la audiencia a esta pieza de metal: la nitidez es cercana y el resto se cae.

[objeto Objeto]

ANTHONY DOD MANTLE [objeto Objeto] Mientras que tanto el Lauda Ferrari real como el Hunt McLaren se usaron durante la filmación, junto con una gran cantidad de otros vehículos históricos, la producción también encargó una serie de réplicas 'y pudimos sacarles el máximo partido, ' sonríe Dod Mantle.

Montar cámaras en máquinas de movimiento rápido ha sido un elemento básico desde el clásico Gran Premio de John Frankenheimer de 1966, que estableció el estándar para las películas de conducción de alto riesgo. 'Pero hicimos que las cámaras se movieran cuando estaban unidas a los autos', continúa Dod Mantle, 'lo cual fue un gran desafío debido a la fuerza G. Incluso las réplicas de autos, que no podían ir tan rápido como los F1, seguían tirando Gs que dañarían cualquier equipo de cámara en los giros'.

Como consecuencia, Dod Mantle y Howard tuvieron que encontrar cámaras con las que nunca antes habían trabajado. Emplearon IndyCams. 'Son muy pequeños, por lo que son significativamente inferiores en términos de latitud y capacidad, pero se pueden utilizar de forma interesante', añade. 'Y Ron y yo teníamos pactos muy honestos sobre esas cámaras: nunca intentes captar una imagen normal. Hacen lo que pueden. Traen a la audiencia a esta pieza de metal: la nitidez es cercana y el resto se cae, traen una suavidad pictórica que ayuda en la post-se vuelve más abstracta'.

Dod Mantle se sujetaba a un Subaru con su foco y un monitor, viajando a gran velocidad entre los autos. 'En el momento crítico de la carrera, contra las probabilidades de la inercia, podría intentar que la cámara se moviera, que es algo que nunca has visto, en realidad'. Los bautizó como 'deslizadores'. 'Frankenheimer lo intentó con cámaras increíbles y logró un par de paneles, pero esta cámara, al estar atascada, de repente comienza a tener dificultades. Fue algo valiente de hacer, pero funciona muy bien. Hay cosas que hemos hecho que tienen nunca se ha hecho antes'.

Tanto Howard como su director de fotografía reconocen que asumieron enormes riesgos, ya que el presupuesto no les daba tiempo para obtener una cobertura completa de cada toma. La edición sería agotadora, pero los cineastas contaron con el apoyo de sus productores, Tim Bevan y Eric Fellner de Working Title, quienes dieron luz verde 2010 ganador del BAFTA F1 doc Senna , que estableció un nuevo estándar en el uso de imágenes de carreras de la vida real.

'Entré a Rush antes de saber que Senna iba a ser tan bien recibido como lo fue', dice Howard, destacando varios momentos en su currículum como director en los que ha trabajado fuera de la caja: Splash, Cocoon y Apollo 13, todo en su propio rompió con lo que se esperaba de él. 'Pero pensé que Senna y el documental de TT ( TT3D de 2011: más cerca del borde , sobre la carrera en la Isla de Man) fueron geniales. Con Senna, solo usaron imágenes existentes y, a menudo, lo más interesante era cuando la toma estaba un poco bloqueada o desviada'.

Además de utilizar imágenes reales para planificar la composición de sus propias tomas, los cineastas también utilizan imágenes reales de carreras de archivo en Rush. 'A veces es una toma completa', confiesa Howard, 'y a veces es una cosa de Forrest Gump, donde en lugar de colocar a Tom Hanks junto a Richard Nixon, ponemos nuestro auto en ese plato, lo que lo hace muy evocador del ambiente de F1 y nos da alcance y escala. Sin embargo, en última instancia, utilizamos una conducción mucho más real de lo que nunca pensé que haríamos'.

[objeto Objeto] El director Ron Howard con la estrella de Thor.

AL PRINCIPIO DEL PROCESO DE PRUEBA DE CONDUCCIÓN, Daniel Brühl, quien al igual que Hemsworth manejaba mucho por su cuenta, perdió el control de su automóvil en Longcross, el circuito de Surrey que acogió una serie de escenas de carreras de Rush: reventó un neumático. Y no solo el actor estaba en grave peligro, también lo estaban quienes lo rodeaban. 'Si ese neumático hubiera golpeado a alguien, habría causado daños graves', dice Howard. Solo hay que mirar las imágenes del Gran Premio de Alemania de este año, donde una rueda del auto de Mark Webber se estrelló contra la parte trasera de un camarógrafo tendido boca abajo.

[objeto Objeto] Asumí que haríamos más CGI, pero cuando comenzamos a trabajar con los autos y los conductores, estos muchachos fueron extraordinarios.

[objeto Objeto]

RON HOWARD [objeto Objeto]Brühl había completado un curso de carreras de F3 en España durante la preproducción, pero su destino estaba fuera de sus manos una vez que se le rompió el neumático. 'No tenía el control', recuerda, 'y hubo tres o cuatro segundos en los que pensé: '¡Oh, no, mierda! Esto es todo. No voy a hacer la película''. Pero después fue bastante divertido. Lo tomé como un buen augurio. Pensé: 'Bueno, yo también me estrellé, así que ahora soy Niki''.

Las réplicas de autos de F1 podían alcanzar velocidades de poco más de 100 mph y fueron filmadas a esa velocidad. 'Supuse que haríamos más CGI', dice Howard. 'Al principio no estaba preocupado por la coreografía porque sospechaba que cada accidente cercano iba a ser un auto real yendo por la carretera y luego un auto CGI haciendo algo loco. Pero cuando comenzamos a trabajar con los autos reales y el conductores de precisión, estos muchachos fueron notables. Así que los filmamos a toda velocidad'.

Dicho esto, disparar digitalmente permitió a Howard trabajar con variaciones de velocidad. 'Solía ​​ser que tenías que tomar una decisión: podías pasar de 24 fotogramas a 18 fotogramas a 12 fotogramas a seis fotogramas, pero no podías hacer 17 fotogramas, por ejemplo, al menos no en la publicación'. él dice. 'Pero aquí podríamos acelerar un poco en una recta y luego volver a la normalidad a medida que se acercaba a la cámara para poder extender la duración de la toma'.

De hecho, Howard recurrió a sus experiencias recopiladas en su película de boxeo de Russell Crowe para amplificar algunas de las tomas en la pista. 'En Cinderella Man tuvimos un par de lugares en los que extendimos los golpes en la mandíbula, solo por un cuadro o dos, y lo distorsionamos un poco más', explica, recordando una toma de guante en la cara hecha en cámara lenta. . 'Así que aquí podríamos hacer pequeñas cosas como esa con los autos, y solo en un nivel subliminal tiene ese aspecto de F1'.

Dod Mantle está de acuerdo. 'Incluso para las personas que conocen las carreras de autos, hemos tratado de mostrar un poco más de lo que es estar en un automóvil a gran velocidad: no puedes ver al personaje que tienes delante o la curva, solo puedes ver estas publicaciones. indicando que se está acercando a una curva a 150 mph...'

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2. CAPITÁN PHILLIPS

Director: Pablo Greengrass

Emitir: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed, Mahat M. Ali, Michael Chernus, Max Martini, Catherine Keener

Mejor para: humanizando ambos lados en una historia real imposible.

Paul Greengrass está de regreso, y gracias a Dios por eso. La historia de la vida real del Capitán Phillips (Hanks), secuestrado y retenido como rehén por piratas somalíes después de que un intento de robar su barco sale mal, es una clase magistral sobre cómo aumentar la tensión y mantenerla alta, incluso si sabes cómo termina todo. Las incógnitas que interpretan a los piratas, en particular Barkhad Abdi como Musa, son impecables, ya que los poderes en contra de ellos se alinean, y Hanks es tan bueno como siempre, particularmente en una escena final devastada.

Lee la reseña de Apergo

Escuche a Paul Greengrass en el podcast de Apergo

[objeto Objeto][objeto Objeto] SECUESTRADO

TOM HANKS TIENE PROBLEMAS EN EL MAR DE NUEVO, PERO ESTA VEZ NO HAY VOLEIBOL PARA AYUDARLO. ES EL CAPITÁN PHILLIPS EN EL ÚLTIMO DRAMA DE LA VIDA VERDADERA DE PAUL GREENGRASS: EL PRIMER CONTENDIENTE SERIO AL ÓSCAR DEL AÑO

PALABRAS: CHRIS HEWITT

Esta función apareció por primera vez en el número 291 de Revista Apergo __.

EL 9 DE ABRIL DE 2009, el carguero Maersk Alabama, con destino a Mombasa, Kenia, con 17.000 toneladas métricas de carga a bordo, fue atacado por un pequeño grupo de piratas somalíes utilizando un pesquero taiwanés, el Win Far 161, que tenían secuestrado apenas dos días antes.

[objeto Objeto] El envío es un mundo obrero, un mundo muy físico, y cuando trabajé eso en mi cabeza, fue cuando supe que podía hacer la película.

[objeto Objeto]

PAUL GREENGRASS [objeto Objeto]Tripulado por marinos mercantes, que a pesar de su nombre no estaban armados, y capitaneado por un marinero de toda la vida llamado Richard Phillips, el Maersk Alabama intentó maniobras evasivas, pero fue en vano. Pronto fue abordado por cuatro corsarios, quienes capturaron al Capitán Phillips y lo tomaron como rehén. El resto de la tripulación apagó la energía del barco, frustrando los planes de los invasores de zarpar con él, y lograron tomar como rehén a uno de los piratas. Siguió un tenso enfrentamiento; un intercambio de prisioneros salió mal y los piratas escaparon del barco en un bote salvavidas. Se llevaron a Phillips con ellos y se inició un juego del gato y el ratón. Solo que, en lugar de un gato, la Marina de los EE. UU. Desplegó dos buques de guerra. Finalmente, el 12 de abril, después de una terrible experiencia que duró cuatro días, el capitán Phillips fue rescatado y los somalíes fueron asesinados a tiros o detenidos.

No es de extrañar que Hollywood estuviera interesado, casi de inmediato, en adaptar esta historia y, rápidamente, el poderoso trío de productores Dana Brunetti, Michael De Luca y Scott Rudin se hizo con los derechos, con Tom Hanks firmando para protagonizar el papel principal. Ahora todo lo que necesitaban era un director. Con su mezcla de drama del mundo real, intriga e incluso, cuando realmente lo mirabas, relevancia socioeconómica, parecía encajar perfectamente para un hombre que anteriormente había centrado su atención periodística en personajes de la vida real como Bloody. Sunday y United 93, mientras inyecta una febril verosimilitud en el campo de acción con La supremacía de Bourne y El ultimátum de Bourne . A saber, Paul Greengrass.

'YO DIRÍA que está en mi timonera', dice Greengrass, hablando exclusivamente con Apergo desde su oficina en Oxford. 'Es un momento en el tiempo, es muy contemporáneo y tiene mucha complejidad y riqueza'.

Pero eso no le impidió rechazar el concierto. 'Para empezar, no quería hacerlo', dice. 'No podía verlo bien'.

El londinense de 57 años, un hombre que tiende a dar origen a sus películas, particularmente aquellas sobre incidentes del mundo real, no vio una conexión, una forma de adentrarse en el material. Y luego se le ocurrió. 'Una de las cosas que realmente me hizo querer hacerlo fue que mi papá estaba en el mar', confiesa Greengrass. 'Era un marino mercante y estuvo en el mar toda su vida. Siempre quise hacer una película sobre cómo era en el mar. Eso era parte de eso'.

[objeto Objeto] La musa de Barkhad Abdi se enfrenta al capitán Phillips a bordo del Maersk Alabama.

De hecho, Greengrass había, en la brecha entre Zona verde (su película sobre la Guerra de Irak de 2010 con Matt Damon, que tuvo un rendimiento inferior en la taquilla) y finalmente le dijo que sí al Capitán Phillips, coqueteó con una adaptación de gran presupuesto de La isla del tesoro de Robert Louis Stevenson. Eso quedó en el camino; es difícil imaginar a alguien con el pedigrí de Greengrass jugando con piernas de madera y parches en los ojos y loros que hablan y actores haciendo malas imitaciones de Jack Sparrow de Johnny Depp. Para Greengrass, la autenticidad es el jugo. 'Estaba muy interesado en la piratería del mundo real', revela Greengrass. 'Por un lado, es increíblemente físico, por lo que obtienes estas confrontaciones intensas en alta mar. Y me pareció un mundo muy nuevo, muy dinámico. Y lo que me encantó fue que se trata de ganadores y perdedores, y cómo es el mundo. No se trata de chicos buenos y chicos malos, es básicamente el conflicto entre niños que no tienen nada, viendo las riquezas del mundo pasar junto a ellos 50 millas mar adentro'.

[objeto Objeto] Hanks hace que este personaje sea tan humano, tan absolutamente común.

[objeto Objeto]

pablo greengrass object Object]La atención de Greengrass al detalle y su compromiso con la veracidad son bien conocidos. En [Unidos 93 , recreó el fuselaje de ese avión siniestrado y pidió a sus actores que hicieran tomas que se prolongaran durante todo el vuelo. Y a lo largo de su carrera, ha seleccionado gente real donde puede. Eso continuó con el Capitán Phillips. Hanks estaba en la bolsa, brindando poder estelar en abundancia, por lo que Greengrass quería caras menos reconocibles para el resto del equipo de EE. UU., desde Max Martini hasta Chris Mulkey. Pero para los somalíes, Greengrass buscaba caras aún menos reconocibles que esa. 'Absolutamente quería y necesitaba contratar a chicos somalíes reales', dice. 'Son niños jóvenes y desconocidos. Todo ese problema es muy real para ellos y está lleno de complejidades por su parte'.

Las convocatorias de casting abiertas en los EE. UU. y Gran Bretaña ('Hay una gran comunidad somalí en Minneapolis: ¡el primer casting abierto que tuvimos allí, 900 personas se presentaron!') produjo 'estos niños que nunca antes habían actuado profesionalmente. Habían hecho un algunas cosas en los clubes juveniles, y eran fantásticos. Le aportaron autenticidad'.

Capitán Phillips es casi dos películas en una. La primera es una película de acción épica, moderna y de alta mar que, siendo Greengrass Greengrass, se rodó de verdad en el océano, principalmente en aguas maltesas. Después de todo, las piernas marinas corren en su familia. 'Fue una diversión fantástica', se ríe. 'Me encantó. Estás en estos barcos gigantes, meciéndose en el océano. Y una vez que lo pensé bien, obtienes esta increíble película de aventuras en el mar con un pequeño bote tratando de embestir a un bote enorme, y luego tú hacer que suceda lo contrario con estos gigantescos barcos navales rastreando este pequeño bote salvavidas. Simplemente sentí que visualmente, es un lienzo fantástico'.

Y en ese bote salvavidas llega la segunda parte de la película doble del Capitán Phillips: la íntima historia de supervivencia mientras el buen capitán, sometido a un trato brutal por parte de sus captores, trata de soportar. 'En el fondo', dice Greengrass, 'se trata de un personaje fantástico en el Capitán Phillips y su adversario, que es un joven capitán somalí (recién llegado Barkhad Abdi) . Realmente es una dinámica muy poderosa: son piratas del mundo real, cómo son y cuáles son sus objetivos. La película es realmente la historia de la colisión entre dos capitanes. Enfrentarse cara a cara con Tom Hanks no es fácil'.

[object Object]*Greengrass explica que para él es la vida de un pirata.

AQUÍ HAY ALGO QUE TE PUEDE CONMOCIONAR. Tom Hanks, quien una vez tuvo el monopolio del Oscar al Mejor Actor que probablemente terminaría con la ceremonia rebautizada como The Gumps, no ha sido nominado para el premio mayor desde 2001. Ahora, cuando se trata de predecir el futuro, estamos no exactamente Nostradamus, ni siquiera somos la aterradora cabeza flotante de Ray Winstone, pero sospechamos que el Capitán Phillips podría romper la racha. 'Ave un golpe en eso.

'Él es absolutamente brillante', dice Greengrass, quien ya terminó la película, pasando los siete meses entre ahora y el lanzamiento de la temporada de premios tratando de hacer despegar su película sobre el asesinato de Martin Luther King, Memphis. Hanks, con anteojos, barba de chivo salpicada de gris, no parece que esté replicando por completo al Capitán Phillips de la vida real (el cabello grisáceo y flexible no está ahí para uno). Pero Phillips, que ahora ha regresado como capitán en funciones, a menudo estaba en el set si alguna vez Hanks necesitaba una recarga de su esencia.

'Fue interesante haber crecido con esos muchachos', dice Greengrass de Phillips. 'Él era absolutamente uno de esos tipos. Es el transporte por camión, básicamente, por el agua. Estás transportando carga por todo el mundo, y es el elemento vital de la economía global. Es ese mundo que recordaba tan bien, sin pretensiones, gente trabajadora. Es un mundo obrero, un mundo muy físico, y cuando trabajé eso en mi cabeza, fue cuando supe que podía hacer la película'.

Y, a pesar de haber visto a Hanks solo unas pocas veces antes de aceptar el trabajo, no tenía dudas de que el veterano A-lister era el adecuado para este 'camionero marino' insensible. 'Simplemente hace que este personaje sea tan grande y tan humano y tan absolutamente el hombre común. Nos habla. Cuando estás en ese pequeño bote salvavidas, fue absolutamente, completamente físicamente arduo. Pero él estaba completamente preparado'.

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1. GRAVEDAD

Director: Alfonso Cuarón

Emitir: Sandra BullockGeorge Clooney

Mejor para: sacándonos de este mundo.

Ni siquiera estuvo cerca este año. Dejando a un lado el hecho de que Gravity es una maravilla tecnológica que reduce a los artistas de VFX a vertiginosos charcos de pura incredulidad, es una gran pieza de narración y una asombrosa pieza de cine. Sandra Bullock es la astronauta perdida en el espacio, y nunca ha estado mejor, pero son Cuarón y su equipo quienes emergen con la mayor parte de los aplausos, construyendo un ejemplo increíblemente tenso de pura emoción cinematográfica.

Lee la reseña de Apergo

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Lea al productor David Heyman sobre la película

Mira a Bullock y Cuarón hablar sobre la película en Venecia

[objeto Objeto][objeto Objeto] TOCANDO EL VACÍO

GRAVITY ES EL THRILLER ESPACIAL MÁS INTENSO EN AÑOS. Y CONSTRUIRLO REQUIRIÓ EL RODAJE MÁS INTENSO Y AMBICIOSO DESDE AVATAR

PALABRAS: DAN JOLIN

Esta función apareció por primera vez en el número 293 de Revista Apergo __.

Nada podría salir mal. No en el sentido de que era imposible que algo saliera mal. Más bien: que algo saliera mal simplemente no era una opción.

Sandra Bullock fue inmovilizada en un marco pequeño, colocada de modo que su cabeza, encerrada en un casco de alta tecnología lleno de marcadores y rayos láser, se asentara en el centro de un cubo elevado de nueve pies por nueve pies, sus paredes formadas por LED parpadeantes. Alejándose de su cara y saliendo a través de una abertura había una vía, elevada unos dos metros y medio sobre un andamio. En el otro extremo, al otro lado de un escenario de sonido Shepperton a oscuras, esperaba un robot, del tipo que esperarías encontrar construyendo opel Vivaros en una cadena de montaje en Luton. Excepto que este fue modificado para llevar una cámara, que el robot, llamado Iris, operó con una precisión inquebrantable bajo el mando de un técnico inclinado sobre una computadora cercana.

Tal como lo concibió el escritor y director mexicano Alfonso Cuarón, maestro de esta instalación silenciosamente vanguardista, y sus dos lugartenientes Emmanuel 'Chivo' Lubezki (director de fotografía) y Tim Webber (supervisor de efectos visuales), la siguiente toma sería requiere que Iris avance a toda velocidad por la pista a 20 mph y se detenga a solo una pulgada de la nariz inamovible de Bullock. Prudentemente, a un miembro de la tripulación se le asignó el trabajo de presionar un gran botón rojo, el interruptor de apagado, en caso de que Iris se portara mal.

'El problema es', dice Cuarón recordando ese día dos años después, 'si todo sale mal mientras el robot está aquí', indica al final de la pista, 'para cuando reaccionas con el interruptor, no hay ¡Más nariz sobre Sandra Bullock!'.

[objeto Objeto] Alfonso Cuarón con Sandra Bullock y George Clooney en uno de los pocos platós de Gravity.

Nada salió mal.

Tal como lo confirmaron sus apariciones ante un público entusiasta en la Comic-Con y, más recientemente, en el Festival de Cine de Venecia, el cartílago de Bullock permanece hermosamente intacto. Sin embargo, hacer Gravity no fue fácil. Navegar, para empezar, requiere viento, o más concretamente, aire. Algo que brilla por su ausencia a 400 y pico de millas sobre la Tierra, donde se desarrolla la película.

'Esta película fue un gran error de cálculo', admite Alfonso Cuarón. Uno que comenzó cuatro años y medio antes, cuando un intento de colaboración con su hijo Jonás fracasó por falta de fondos. El joven Cuarón sacó otro guión que había escrito, Desierto, y le pidió notas a su padre. Alfonso quedó impresionado por el thriller de persecución de Jonás, que involucraba solo a unos pocos personajes en un entorno duro y árido. 'No tengo muchas notas', le dijo a su hijo, 'pero me gustaría hacer algo como esto y quiero que me ayudes'.

[objeto Objeto] Estaba rogando que filmáramos en el espacio...

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ALFONSO CUARÓN [objeto Objeto]Inspirados por los contratiempos de la vida de ambos, se decidieron por un tema: la adversidad. Es una palabra que surge muchas veces durante las conversaciones de Apergo con los Cuarón. Luego se trataba de explorar ese tema a través de “una narrativa que mantiene al público pegado al borde de sus asientos y que es acción non-stop”, dice Jonás.

“Pero también estamos trabajando con elementos metafóricos”, dice Alfonso. “Entonces, siendo grandes admiradores de la exploración espacial, decidimos instalarlo en el espacio”, explica Jonás. 'Para un personaje en una situación peligrosa, el espacio parece el entorno más aterrador'.

'El personaje está suspendido sobre la Tierra: la vida, los humanos, la naturaleza y la dinámica social', explica Alfonso, 'pero está flotando hacia el vacío'.

Ese personaje es Ryan Stone, una científica en su primera misión extraterrestre con el experimentado caminante espacial Matt Kowalsky, cuyo trabajo de actualización en el telescopio Hubble se ve interrumpido por una cascada mortal de escombros a velocidad de bala en la órbita de la Tierra. “Los escombros como metáfora de las adversidades”, confirma Alfonso.

Lo que sigue es una de las luchas por la supervivencia más intensas e íntimas que se puedan imaginar, durante la cual el público nunca se apartará del lado de Ryan. 'Todo el concepto de esta película era crear una montaña rusa en la que el público sintiera las mismas emociones que el personaje', dice Jonás. 'No podíamos hacer cosas como reducir el control de la misión'. O, de hecho, cortar mucho en absoluto; Para profundizar la inmersión, su padre estaba decidido a construir la película con el tipo de tomas largas y sinuosas que adornaron su trabajo anterior, Children Of Men de 2006.

Satisfecho con su primer borrador, Cuarón The Elder acudió a su director de fotografía de confianza, Emmanuel Lubezki, apodado Chivo. 'Lo llamo y le digo: 'Aquí hay un guión. Léalo. Son solo uno o dos personajes. Lo hacemos muy rápido y luego seguimos adelante''.

[objeto Objeto] (En el sentido de las agujas del reloj desde arriba) Ryan Stone de Sandra Bullock. Matt Kowalski de George Clooney toma la delantera. Ryan pierde el control.

La gravedad no es ciencia ficción. Jonás Cuarón insiste en eso. 'Sucede en los tiempos actuales', dice. '¡Más como un documental espacial que salió mal!' No habría gravedad artificial inventada para esta aventura en el espacio. No habría trampa.

'Cuando estás escribiendo e imaginando, no estás siendo pragmático sobre cómo vas a montar todo', admite Alfonso Cuarón. Nos reunimos en un estudio fotográfico en el oeste de Londres a mediados de agosto, solo diez días antes del estreno de Gravity en el Festival de Cine de Venecia. Esta es la primera vez que habla, extensamente, con un periodista que ha visto la película, y está contento de no tener que hablar en abstracciones; '¡Estoy tan feliz, hombre!' El gris de su cabello desmiente una exuberancia juvenil que lo obliga a agarrar accesorios improvisados ​​para ayudar a representar procedimientos complejos, y lo hace reír, sonreír y hacer bromas a su propia costa: '¡Seguí fingiendo que todo estaba bajo control!'

Cuarón y compañía. rápidamente se dieron cuenta de que no había tecnología existente para lograr lo que necesitaban. 'Entonces comenzó todo el asunto de crear nuestra propia tecnología. Y una vez que creamos nuestra propia tecnología, nos dimos cuenta de que el proceso iba a ser muy largo'.

[objeto Objeto] Tuvimos que completar la posproducción antes de comenzar la preproducción. ¡Fue loco!

[objeto Objeto]

ALFONSO CUARÓN [object Object]Demasiado tiempo para Universal Pictures, donde Cuarón había hecho Children Of Men. El estudio puso el proyecto en marcha después de un cambio en la administración. En 2009, Gravity encontró un hogar en Warner Bros., y Cuarón pudo traer a un viejo amigo, el productor David Heyman, pastor de la franquicia de Harry Potter con quien el director había trabajado en El prisionero de Azkaban. Heyman pronto se dio cuenta de que estaba involucrado en algo que nunca antes se había intentado, incluso en los Potter intensivos en FX. A su manera, esto era tan ambicioso como Avatar de James Cameron.

'Obviamente ha habido intentos de recrear la gravedad cero', dice Heyman. 'Pero el verdadero desafío fue la forma en que a Alfonso le gusta filmar. La primera toma de la película dura alrededor de 12 minutos, ¡sin cortes!'.

Consideraron plataformas de alambre. Miraron disparar bajo el agua. Se preguntaron si podrían colocar a los actores sobre un vidrio. Investigaron el 'cometa vómito', utilizado por los astronautas en entrenamiento y con gran efecto por Ron Howard en el Apolo 13: un chorro grande y hueco cuya trayectoria parabólica brusca permite a sus mareados pasajeros experimentar brevemente la ingravidez cuando golpea cada 'joroba'. Cuarón, junto con el supervisor de efectos visuales Tim Webber y una doble, incluso fueron a dar un paseo en uno (solo la doble vomitó, informa Heyman). 'Ron Howard era muy inteligente', dice Cuarón. 'En realidad, no disparó tanto en el cometa del vómito'. Pero ese método no proporcionó al director el tiempo suficiente para lograr sus tomas extendidas, ni la iluminación correcta para retratar a los astronautas basados ​​en la termosfera bañados por el brillo extraterrestre de la Madre Tierra.

Apergo se arriesga a una pregunta que tememos podría ser la más estúpida que jamás hayamos hecho: ¿consideraron realmente disparar en el espacio?

'Sí', responde Heyman. 'Alfonso lo hizo'.

'¡Estaba suplicando por eso!' llora Cuarón. “Pero, ¿cuánto cuesta ahora enviar a una persona a la estación espacial? ¿Doce millones de libras? Y eso es solo una persona. Y, además, nadie lo asegurará. y simplemente se rieron. Estaba hablando con James Cameron al respecto. Él lo va a hacer...'

La solución definitiva requeriría un enfoque que fuera menos aventurero físicamente, pero más alucinante. En cierto sentido, más ciencia ficción que la propia película.

[objeto Objeto] Cuarón prepara a Clooney y Bullock para otra escena..

Fue en el momento en que comenzaron a mapear digitalmente su rostro que Robert Downey Jr. anunció: 'Vaya, esto es demasiado intenso para mí'.

Cuando Downey Jr. aceptó por primera vez el papel del irónico y experimentado astronauta Matt Kowalsky, la tecnología aún no se había definido por completo. Pero ahora que estaban cerca de rodar, estaba claro que, como dice Alfonso Cuarón, 'la tecnología no iba a ser muy amiga de lo que mejor sabe hacer Robert'. El estilo de Downey Jr. es muy fluido, improvisado, siempre encontrando cosas nuevas en el momento. Pero incluso antes de que se pusiera (o, mejor dicho, fuera amarrado) frente a una de las cámaras de Cuarón, todos los movimientos de su personaje ya habían sido planeados. Tendría que igualarlos, latido por latido. Sin espacio para maniobras imprevistas.

' Todo estaba preprogramado”, explica Cuarón. “Inventamos todas estas tecnologías y, según la escena o la toma, cambiamos de tecnología a tecnología y, en algunos casos, una misma toma será una combinación de diferentes tecnologías. Lo que todos tienen en común es que todas estas diferentes tecnologías fueron preprogramadas.

Y solo la cantidad de tiempo que tomó programar toda la carga de información que teníamos que tener lista para el rodaje significó que tuvimos que dividir el rodaje en dos etapas diferentes. Así que filmamos una parte durante un verano y luego la otra parte el verano siguiente, ambas con actores'.

[objeto Objeto] TÚ, YO Y DEBRIS

JONAS CUARÓN EXPLAINS

EL SÍNDROME DE KESSLER El evento catastrófico que inicia la terrible experiencia de Ryan fue planteado por primera vez por el científico de la NASA Donald J. Kessler en 1978. Jonás Cuarón lo expone: 'Es un escenario en el que la densidad de objetos en la órbita exterior se vuelve demasiado grande: entonces tantos satélites, tantas sondas espaciales... tenemos mucha basura ahí arriba. El problema es que cuando estás en órbita estás viajando a una velocidad increíble. Das la vuelta a la Tierra una vez cada 90 minutos. Entonces, si dos objetos que viajaban a esa velocidad colisionaron, explotarían en una nube de metralla diminuta. Si cada trozo de metralla golpea un satélite, ese satélite también explotaría y la nube seguiría creciendo. Y eso haría que la exploración espacial, incluso la posibilidad de tener satélites en órbita exterior, imposible durante muchos años'.

En efecto, explica el director, 'tuvimos que completar la posproducción antes de comenzar la preproducción'. Apergo no puede reprimir nuestra incredulidad. '¡No, de verdad! ¡Fue una locura! Editamos dos, tres veces, teníamos que tener animaciones muy definidas antes incluso de comenzar con los actores.

Y el gran desafío durante el rodaje, debido a que todo estaba preprogramado, fue que los actores estaban muy limitados con lo que podían hacer. Los tiros ya estaban escritos en piedra, por lo que solo podíamos cambiar las actuaciones dentro del marco del tiempo y las posiciones y los requisitos físicos que ya estaban establecidos'.

Salga de Downey Jr., entonces. Incluso su reemplazante, George Clooney, veterano de tres espectáculos con los anti-improvisadores hermanos Coen, tenía sus dudas. 'Llegué tarde a esta sesión', dice. 'Entré y dije: '¡No puedo hacer esto! ¡Están locos!''. Sin embargo, estaba inspirado por cómo su coprotagonista estaba soportando el proceso de prueba de Cuarón. 'Fue impresionante lo que estaba haciendo en esta película', dice sobre Sandra Bullock, el Ryan Stone de Cuarón.

En algunas tomas, Bullock fue arrastrado por el aire por titiriteros mientras estaba dolorosamente atado a 20 pies de altura dentro de una plataforma de 12 cables. Para otros, ingresó un artilugio llamado 'la lavadora' por Emmanuel Lubezki por su 'ventana' circular. Durante algunas escenas, se le permitió el raro lujo de sentarse en un set real, de una cápsula espacial (en la foto de arriba). Pero sobre todo, tuvo que permanecer de pie, aislada, durante horas seguidas en el centro de 'la caja de luz', esa estructura paralelepipédica de nueve pies por nueve pies que brillaba de manera impresionante en el centro del sombrío escenario de sonido de Shepperton, con solo la voz de Cuarón. , dirigiéndola a través de un auricular, y música ambiental para acompañarla. 'Física y mentalmente fue lo más loco, lo más extraño y desafiante', dice Bullock, quien también pasó meses entrenando para ponerse en forma para el papel. 'Pero encuentras de qué estás hecho'.

Para retratar a Ryan dando vueltas, flotando y jadeando por aire, todo el tiempo 'honrando' la iluminación única en el espacio y representando de manera persuasiva un entorno en constante movimiento donde no hay gravedad, ni microgravedad ni presión ambiental (que habría sido detectable en la cara de Bullock y el cuerpo en un montaje subacuático o completamente de alambre), Cuarón, Webber y Lubezki tomaron todas las imágenes fotorrealistas de casi todo lo que no eran los actores, que habían conjurado minuciosamente durante meses de trabajo, y los proyectó desde las paredes de LED tipo piso de discoteca de la tumba temporal de Bullock, 'como en Piccadilly Circus', dice Cuarón. Esto creó la ilusión perfecta de movimiento ingrávido, como si cada cámara también estuviera en gravedad cero. 'Fue interesante, fue divertido, fue un dolor de cabeza', reflexiona el director. Y como cada toma interpretada por el actor necesitaba coincidir con precisión con los efectos visuales ya existentes, se requirieron robots controlados por computadora para manejar las cámaras; no había lugar para la discrepancia o el error humano. Excepto...

'El día antes de que empezáramos a rodar durante el primer verano, nada funcionaba', dice Cuarón. 'Ya habíamos invertido mucho tiempo y dinero, dos años, en esta tecnología. Así que ese día fue un poco aterrador, porque de repente te das cuenta de que todo va a ser un desastre. Luego, la medianoche anterior, algo comenzó a suceder. Así que me fui a dormir y cuando volvimos a la mañana siguiente, de repente todo funcionó'. Se encoge de hombros, desconcertado. 'Era una de esas cosas.'

'Nunca fue aburrido', dice Heyman. 'Y siempre fue emocionante. Y siempre fue exigente. Pero exigir es bueno si sabes que estás trabajando para alguien que es ambicioso y un genio'.

[objeto Objeto] Alfonso Cuarón ministers to his striken star.

El tiempo, el dolor, el esfuerzo, las adversidades, ay, las adversidades... Todo ha valido la pena, no hay duda. Jonás Cuarón tiene su propia película en producción este mes: Desierto, el mismo guión que inspiró a su padre hace tantos años. Para Jonás, fue tan tranquilizador como gratificante presenciar en Venecia cómo responde el público a la fuerza de la Gravedad.

[objeto Objeto] Fue el proceso más extraño y desafiante.

[objeto Objeto]

SANDRA BULLOCK [object Object]'Son historias muy diferentes, una sucede en el espacio y la otra en el desierto, pero lo que Desierto y Gravity tienen en común es que sigues a un personaje que se convierte en una especie de avatar para ti. Yo estaba No estoy seguro de que funcione. Pero cuando termina la película, ves a la audiencia salir como si hubieran sido sacudidos en el espacio durante 90 minutos'.

Su padre está dispuesto a minimizar el papel que juega la tecnología (desde sus propias innovaciones hasta 3D, no nativo, interesantemente, sino posterior a la conversión, hasta Dolby Atmos) para lograr una inmersión tan profundamente emocionante. 'Desde el punto de vista de un geek, puedes decir: 'Todo eso es increíble', pero es aún más extraordinario desde el punto de vista de la interpretación', insiste. Bullock ha encontrado una aguda realidad emocional en el entorno de rodaje más restrictivo, en el que cada uno de sus movimientos está estrictamente coreografiado. 'Siempre estás confinado', dice ella. Pero eso, de hecho, la ayudó. 'Es frustrante y doloroso, pero al final lo usas. Es otra capa que puede ayudarte a ser más auténtico en tu malestar'.

“Creo que fue su formación en danza”, concluye el director; Bullock describe el proceso de actuar sin peso como 'como el ballet acuático... Fue extraño, pero de alguna manera lo hicimos lo suficiente como para llegar a ser una segunda naturaleza. La mayor parte del tiempo...'

Tanto Bullock como Clooney estaban en esa audiencia en el estreno de Venecia, viendo la película terminada por primera vez. Ella, simplemente, estaba 'impresionada'. Clooney también, pero le gustaría señalar algo: 'Está hecho con un excelente diseño visual y de sonido, pero al estilo de una película antigua, confiando en las imágenes solo para mantener la historia en movimiento'. Para todas las campanas y silbatos, robots y cajas de luz, debemos centrarnos en el corazón. 'La parte divertida no es solo '¿Cómo lo hicieron?' Se trata de una narración realmente buena'.

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